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Gravure de Voyage au pôle sud et dans l'Océanie (expédition de Dumont d'Urville).
Les Aventures d'Arthur Gordon Pym (titre original en anglais : The Narrative of Arthur Gordon Pym of Nantucket) est le titre de l'unique roman achevé par Edgar Allan Poe, publié en 1838 aux États-Unis et en Angleterre. Charles Baudelaire en donne une première traduction française en 1858.
Présenté par ses éditeurs comme le récit d'un authentique voyage de découverte aux confins inexplorés de l'océan Antarctique, l'ouvrage a été éreinté par la critique anglo-américaine lors de sa parution et quasiment renié plus tard par son auteur. Baudelaire lui-même exprima initialement des réserves face à ce roman d'aventures exubérant, non dénué d'invraisemblances et de défauts de construction, qui par la suite impressionna profondément des lecteurs tels que Jorge Luis Borges, Jules Verne, Howard Phillips Lovecraft ou encore Gaston Bachelard.
L'odyssée énigmatique d'Arthur G. Pym, le mystère qui plane autour de sa disparition au large du pôle sud, ainsi que la nature de la « silhouette voilée » qui clôt le récit ont par ailleurs donné lieu aux interprétations les plus diverses et les plus contradictoires.
L'Étalon noir est une série de romans pour la jeunesse écrite par Walter Farley, et publiée aux États-Unis par Random House à partir de 1941. Le premier roman raconte l'histoire d'un adolescent américain, Alec Ramsay, et d'un étalon arabe sauvage noir nommé Black. Survivants d'un naufrage, l'enfant et le cheval se réfugient plusieurs semaines sur une île déserte, où ils nouent un profond lien d'amitié. Ils deviennent champions de courses hippiques. Pour répondre aux attentes de ses lecteurs après le premier tome, le romancier américain écrit vingt livres dans le même univers jusqu'à sa mort en 1989. Les romans qui suivent racontent notamment les aventures des poulains et pouliches de Black. Ils introduisent aussi les rivaux et alter ego d'Alec et de Black l'étalon noir, un étalon sauvagealezan nommé Flamme, et son jeune cavalier Steve Duncan. Depuis 1998, Steven Farley, l'un des fils de Walter Farley, continue la série.
La série des romans de L'Étalon noir rencontre un grand succès en littérature d'enfance et de jeunesse, notamment grâce à l'amour dont témoigne l'auteur pour le monde du sport hippique, et à ses thèmes, abordant la sauvagerie et les rites de passage à l'adolescence. Le premier tome remporte le Young Reader's Choice Award en 1944. Quarante ans plus tard, le New York Times consacre le cheval fétiche de la série, Black, comme plus célèbre cheval de fiction du XXe siècle. Les romans sont traduits dans de multiples langues, dont le français, dans la collection Bibliothèque verte chez Hachette, à partir de 1957. Ils ont été adaptés trois fois au cinéma, une fois à la télévision de 1990 à 1993, et ont donné plusieurs albums de bande dessinée.
Son œuvre majeure est Walden ou la vie dans les bois, publiée en 1854, qui délivre ses réflexions sur une vie simple loin de la société, dans les bois, lors de sa « révolte solitaire ». Le livre La Désobéissance civile (1849), dans lequel il avance l'idée d'une résistance individuelle à un gouvernement jugé injuste, est considéré comme à l'origine du concept contemporain de non-violence. Abolitionniste toute sa vie, faisant des conférences et militant contre les lois sur les esclaves évadés et capturés, louant le travail des abolitionnistes et surtout de John Brown, Thoreau propose une philosophie de résistance non violente qui influence des figures telles que Léon Tolstoï, Gandhi et Martin Luther King.
Les livres, articles, essais, journaux et poésies de Thoreau remplissent vingt volumes. Surnommé le « poète-naturaliste » par son ami William Ellery Channing (1780 - 1842), Thoreau se veut un observateur attentif de la nature et ce surtout dans ses dernières années durant lesquelles il étudie des phénomènes aussi variés que les saisons, la dispersion des essences d'arbres ou encore la botanique. Les différents mouvements écologistes ou les tenants de la décroissance actuels le considèrent comme l'un des pionniers de l'écologie car il ne cesse de replacer l'homme dans son milieu naturel et appelle à un respect de l'environnement.
« Ma vie a été le poème que j'aurais voulu écrire » explique Thoreau dans un poème, car il est avant tout à la recherche de l'existence la plus authentique. Selon l'expression de Michel Barrucand : « Vivre fut sa profession, s'émerveiller sa raison d'être, écrire sa façon de se révolter ou de témoigner ».
Diplômé en philosophie, sciences politiques et sciences économiques du Balliol College d'Oxford, il est successivement rédacteur et critique littéraire pour des journaux prestigieux comme The Atlantic Monthly, Vanity Fair, Slate, World Affairs, ou The Nation. Observateur politique et polémiste, il accède à la notoriété en tant que défenseur des idées de gauche en Grande-Bretagne et aux États-Unis. Il s'en éloigne toutefois à partir de 1989 et de ce qu'il considère comme des « réactions tièdes » de la gauche occidentale à la suite de l'appel au meurtre de Salman Rushdie par l'ayatollah Khomeiny. Les attentats du 11 septembre 2001 renforcent sa conviction interventionniste en matière de politique étrangère et sa critique envers ce qu'il appelle le « fascisme à visage islamique » se fait véhémente. Célèbre pour ses prises de position publiques et ses conférences, ses attaques contre Mère Teresa, Hillary Clinton et Henry Kissinger lui confèrent une réputation de polémiste engagé, auprès du public anglo-saxon, puis à l'international…
Il est aujourd'hui considéré comme l'un des auteurs américains les plus importants du XXe siècle ; il est même pour la communauté beatnik le « King of the Beats ». Son style rythmé et immédiat, auquel il donne le nom de « prose spontanée », a inspiré de nombreux artistes et écrivains et en premier lieu le chanteur américain Bob Dylan. Les œuvres les plus connues de Kerouac, Sur la route, considéré comme le manifeste de la beat generation, Les Clochards célestes, Big Sur ou Le Vagabond solitaire, narrent de manière romancée ses voyages à travers les États-Unis. Le genre cinématographique du road movie est directement influencé par ses techniques et par son mode de narration.
Jack Kerouac a passé la majeure partie de sa vie partagé entre les grands espaces américains et l'appartement de sa mère à Lowell dans le Massachusetts. Ce paradoxe est à l'image de son mode de vie : confronté aux changements rapides de son époque, il a éprouvé de profondes difficultés à trouver sa place dans le monde, ce qui l'a amené à rejeter les valeurs traditionnelles des années 1950, donnant ainsi naissance au mouvement des « beatniks ». Ses écrits reflètent cette volonté de se libérer des conventions sociales étouffantes de son époque, et de sa quête d'un sens à son existence. Un sens qu'il a également cherché dans des drogues comme la marijuana et la benzédrine, dans l'alcool également, dans la religion et la spiritualité (notamment le bouddhisme), et dans une frénésie de voyages enfin.
« Jazz poet » comme il se définit lui-même, Kerouac vante les bienfaits de l'amour (la passion charnelle est pour lui « la porte du paradis »), proclame l'inutilité du conflit armé, quel qu'il soit, et considère que « seuls les gens amers dénigrent la vie ». Jack Kerouac et ses écrits sont vus comme précurseurs du mode de vie de la jeunesse des années 1960, celle de la Beat Generation, « qui a ébranlé la société américaine dans ses certitudes. Elle a directement inspiré aussi bien les mouvements de mai 1968 que l’opposition à la guerre du Vietnam, ou les hippies de Berkeley et Woodstock. Pourtant la Beat Generation a aussi contribué à enrichir le mythe américain. Sur la route, le roman le plus connu de Kerouac, est une ode aux grands espaces, à l’épopée vers l’ouest, à la découverte de mondes nouveaux. »
L'influence de Poe a été et demeure importante, aux États-Unis comme dans l'ensemble du monde, non seulement sur la littérature, mais également sur d'autres domaines artistiques tels le cinéma et la musique, ou encore dans des domaines scientifiques. Auteur américain, il ne fait pas exception au proverbe qui dit que nul n’est prophète en son pays, car il a d’abord été reconnu et défendu par des auteurs français, Baudelaire et Mallarmé en tête. La critique contemporaine le place parmi les plus remarquables écrivains de la littérature américaine du XIXe siècle.
Virginia Eliza Clemm Poe, née Virginia Eliza Clemm le , morte le , est l'épouse d'Edgar Allan Poe. Les époux étaient cousins au second degré. Quand ils se marièrent, Virginia n'avait que 13 ans, tandis que Poe en avait 27. Plusieurs biographes ont suggéré que les relations du couple ressemblaient plus à celles d'un frère et d'une sœur et qu'ils n'auraient jamais consommé leur union. Virginia est victime en de la tuberculose, maladie dont elle meurt en à l'âge de 24 ans.
Poe et Virginia ont vécu ensemble, avec d’autres membres de leur famille, plusieurs années avant leur mariage. Le couple a souvent dû déménager, en fonction des emplois de Poe, vivant successivement à Baltimore, Philadelphie et New York. Quelques années après leur mariage, Poe a été compromis dans un scandale impliquant Frances Sargent Osgood et Elizabeth F. Ellet. Cette dernière a fait courir des bruits tendancieux sur l’amitié amoureuse unissant Poe à Mrs Osgood ; Virginia en a été affectée, au point que, sur son lit de mort, elle aurait accusé Mrs Ellet d’être responsable de sa mort.
Virginia avait les cheveux noirs et le teint très pâle, et son aspect était assez enfantin, même à l’âge adulte. Sa maladie et les menaces que celle-ci faisait peser sur ses jours ont eu une grande influence sur son époux, qui se mit à déprimer et sombra dans la boisson pour oublier sa douleur. Sa mort a peut-être également affecté sa poésie et sa prose, où la mort de jeunes femmes est un motif assez fréquent.
Le livre raconte la vie que Thoreau a passée dans une cabane pendant deux ans, deux mois et deux jours, dans la forêt appartenant à son ami et mentor Ralph Waldo Emerson, jouxtant l'étang de Walden (Walden Pond), non loin de ses amis et de sa famille qui résidaient à Concord, dans le Massachusetts.
Walden est écrit de telle façon que le séjour semble durer un an seulement. La narration suit les changements de saisons et Thoreau présente ses pensées, observations et spéculations. Il dévoile également comment, au contact de l'élément naturel, l'individu peut se renouveler et se métamorphoser, prendre conscience enfin de la nécessité de fondre toute action et toute éthique sur le rythme des éléments.
Walden n'est ni un roman, ni une autobiographie, ni un journal naturaliste. Sa dimension critique à l'encontre du monde occidental en fait un véritable pamphlet. La part de l'imagination est conséquente et Thoreau consacre de nombreuses scènes à décrire l'étang de Walden mais aussi les animaux et la façon dont les gens le considèrent du fait de son isolement, tout en dégageant des conclusions philosophiques. Ces longs passages concernant la nature appartiennent à la tradition transcendantaliste et appellent à refondre l'éthique.
Plus d'un siècle plus tard, Walden reste une œuvre phare de la littérature américaine et l'ouvrage fondateur du genre littéraire du nature writing. La pensée écologiste moderne voit également en Walden le roman du retour à la nature et de la conscience environnementale. Les observations et spéculations de Thoreau font en effet de la nature, dans le récit, un protagoniste à part entière. Walden est enfin la lente introspection de Thoreau, le fil directeur d'une recherche de sens dans un monde de plus en plus marqué par l'industrialisation et la transformation de l'espace.
Il existe plus de 200 traductions de Walden à travers le monde. L'ouvrage a été traduit en français en 1922 par Louis Fabulet (1862-1933) et redécouvert en France lors des événements de mai 68. Il demeure l'un des ouvrages de référence de la pensée écologiste voire libertaire.
Bob l'éponge est une petite éponge de mer naïve et maladroite employée en tant que cuisinier au Crabe Croustillant, un restaurant localisé dans une ville fictive, Bikini Bottom et sous la responsabilité du capitaine Krabs. Depuis sa création, le personnage a grandement gagné en popularité auprès des enfants et des adultes, malgré les nombreuses controverses dont il est l'objet.
Lors de la réalisation de l'épisode, les créateurs de South Park, Trey Parker et Matt Stone, n'avaient pas signé de contrat avec Comedy Central ; n'ayant donc aucun budget, ils utilisèrent la technique du stop motion avec du papier découpé. Parker a expliqué par la suite que la chaîne avait cédé face à la « pression » d'Internet, où les courts métrages réalisés par les deux hommes ont rencontré un franc succès. Cartman a une sonde anale est ainsi le seul épisode de South Park n'ayant pas eu recours à l'utilisation de l'informatique.
En réaction au tournant conservateur que connurent les États-Unis dans les années 1980-1990, South Park est délibérément provocateur. Une grande partie de l'humour de Cartman a une sonde anale provient de la juxtaposition de l'innocence d'un enfant et du comportement brutal présenté par les personnages adultes. Cet épisode a aussi recours au registre carnavalesque : il fait appel à l'humour, aux réactions physiologiques excessives et à des jeux de mots qui remettent en question les discours officiels et renversent les structures sociales…
Fin (The End en anglais) est le titre du dernier épisode de la série télévisée Lost : Les Disparus (Perdus au Québec). Se divisant en deux parties, il correspond aux épisodes 17 et 18 de la sixième et ultime saison, et aux 120e et 121e épisodes au total. Il est diffusé pour la première fois aux États-Unis le à 21 h ET sur ABC, après un épisode récapitulatif de deux heures, intitulé Lost: The Final Journey. En France, il est diffusé pour la première fois sur TF1 le .
Cet épisode est écrit par Damon Lindelof, co-créateur et producteur de la série, et Carlton Cuse, lui aussi producteur. Il est réalisé par Jack Bender. Dans cet épisode, Jack, ayant repris les fonctions de Jacob, tente d'arrêter le projet de l'homme en noir, sous l'apparence de John Locke, de quitter l'île. Dans le même temps, la signification des flash-sideways est révélée.
L’Enfer, c’est les autres robots (Hell Is Other Robots) est le neuvième épisode de la première saison de la série téléviséeaméricaineFuturama. Il est diffusé pour la première fois le en Amérique du Nord sur le réseau Fox, et clôture la première saison de diffusion de la série. L’épisode est écrit par Eric Kaplan et réalisé par Rich Moore. Plusieurs célébrités sont présentes : les Beastie Boys jouent leur propre rôle et Dan Castellaneta prête sa voix au Diable Robot. Il s’agit du premier épisode centré sur le personnage de Bender, qui développe au cours de l’épisode une dépendance à l’électricité. Quand cette dépendance devient problématique, Bender rejoint le temple de la Robotologie, avant d’être tenté par Fry et Leela avec de l’alcool et des prostituées.
Cet épisode introduit le Diable Robot, le Révérend Lionel Preacherbot et la religion du Temple de la Robotologie, satire de la Scientologie. L’épisode reçoit de bonnes critiques, et est l’un des quatre à être inclus dans le coffret DVD des épisodes préférés de Matt Groening, le Monster Robot Maniac Fun Collection.
L’épisode fut diffusé à partir du sur Canal+, en France.
Tom Kenny, voix originale de Valhallen, dans le segment Les Frères Justices et des voix additionnelles.
Le Laboratoire de Dexter (en version originale : Dexter's Laboratory, abrégé en Dexter's Lab) est une série d'animationaméricaine créée par Genndy Tartakovsky, produite par Cartoon Network Studios et initialement diffusée aux États-Unis sur la chaîne de télévision Cartoon Network entre le et le . La série met en scène un jeune garçon surdoué nommé Dexter, créateur et détenteur d'un laboratoire secret composé d'un très grand nombre d'inventions. Il est constamment harcelé par sa grande sœur Dee Dee qui arrive toujours à accéder à son laboratoire, ainsi que par son voisin et ennemi juré Mandark. Les deux premières saisons de la série se constituent de trois segments épisodiques : le premier étant Le Laboratoire de Dexter, qui se base sur l'univers du jeune prodige et scientifique Dexter, le second Momo le singe, mettant en scène les exploits du singe superhéros et cobaye de Dexter, et le troisième Les Frères Justice, se basant sur un trio de superhéros locataires d'un même appartement.
Tartakovsky, créateur et concepteur de la série, réalise son tout premier court-métrage, inspiré d'un projet qu'il avait réalisé durant ses études à la CalArts, plus tard diffusé dans l'émission innovatrice des studios Hanna-Barbera originellement intitulée World Premiere Toons. Trois courts-métrages sont réalisés entre 1995 et 1996 puis, à la suite de leur franc succès et d'une audience de plus en plus grandissante, une première saison composée de treize épisodes est produite. Dès 1999, la série compte un total de 52 épisodes et un téléfilm d'animation. Par la suite, la chaîne relance l'émission en 2001, cette fois réalisée par une équipe de production différente ; la série s'achève en 2003.
Monica, une jeune cuisinière d'environ 25 ans, vit seule dans un appartement à Manhattan, dans le Greenwich Village. Elle trouve une nouvelle colocataire en la personne de Rachel, son ancienne meilleure amie du lycée, qu’elle avait perdue de vue depuis des années. En véritable enfant gâtée, Rachel n'a jusqu'alors jamais travaillé, et a renoué avec Monica uniquement parce qu’elle s’est retrouvée presque sans ressources après avoir laissé son fiancé devant l’autel.
Toutefois, des liens d’amitié sincère vont (ré)apparaître entre les deux femmes, et Rachel va s’intégrer sans difficulté au groupe d’amis de Monica, composé de Phoebe, l’ancienne colocataire de Monica, Ross, le frère de Monica secrètement amoureux de Rachel, Chandler, le meilleur ami du lycée de Ross, et Joey, qui partage avec Chandler un appartement situé en face de celui de Monica et Rachel, sur le même palier.
Les dix saisons de Friends narrent le quotidien de ces six personnages, l’évolution de leurs relations et de leur vie professionnelle et affective.
Une porte des étoiles est un appareil imaginé pour le film Stargate, la porte des étoiles et réutilisé dans tout l’univers de fiction de Stargate (comprenant entre autres les séries de télévision Stargate SG-1, Stargate Atlantis, Stargate Infinity et Stargate Universe). Dans ces œuvres de fiction, ces appareils ont été créés par un peuple appelé « Anciens » et ils étaient destinés à manipuler l’espace-temps, principalement dans le but de créer un trou de ver (aussi appelé vortex dans la version française de la série) pour voyager rapidement entre deux points de l’espace-temps, d’une porte à l’autre. Il est aussi appelé stargate en version originale ou chappa'ai en goa'uld ; certains peuples l’appellent « anneau des dieux », « cercle des ancêtres », « anneau ancestral », « anneau » ou « portail ».
Au Québec, il est diffusé depuis le sur le réseau TVA ; en Suisse romande, depuis le sur la TSR ; en France, depuis le sur M6 ; en Belgique et au Luxembourg sur RTL-TVi depuis janvier 2007.
La série est diffusée en France depuis le sur M6 en VM, au Québec depuis le , d'abord sur Historia jusqu'au (saisons 1 à 11), ensuite sur Séries+ à compter de la saison 2015-2016 (saison 12), en Belgique sur RTL-TVI ainsi que sur AB3 et en Suisse sur RTS Un.
Elle présente une équipe d'enquêteurs de terrain et de scientifiques du Naval Criminal Investigative Service, dirigée par l'agent Leroy Jethro Gibbs, dont les membres tentent de résoudre des affaires criminelles liées à la marine des États-Unis. Cette équipe a la particularité d'être constituée de personnages très charismatiques qui entretiennent des relations amicales, parfois complexes.
Il s'agit d'une série dérivée de la série JAG, également créée par Donald Bellisario. En effet, les personnages de Gibbs, DiNozzo, Abby et Ducky font leur première apparition dans les épisodes 20 (La Dame de glace) et 21 (L'Homme de l'ombre) de la huitième saison de JAG.
NCIS : Enquêtes spéciales remporte un vif succès aux États-Unis, où elle est la série télévisée la plus regardée depuis 2009 (septième, huitième, neuvième et dixième saisons), avec une moyenne de plus de 19 millions de téléspectateurs par épisode. Il ressort d'une enquête d'opinion réalisée en mars 2011 par Harris Interactive que c'est par ailleurs la série la plus appréciée des téléspectateurs américains. Cette réussite semble due principalement à la place laissée à l'humour, ainsi qu'aux relations unissant les différents personnages.
En raison de ce succès, deux spin-off, NCIS : Los Angeles et NCIS : Nouvelle-Orléans, ont vu le jour et bénéficient également d'excellentes audiences, NCIS : Los Angeles étant la seconde série télévisée la plus regardée par les téléspectateurs américains. Un jeu vidéo intitulé NCIS a en outre été conçu par Ubisoft, avec les voix des acteurs.
La série raconte les aventures du personnel de l’hôpital du Sacré-Cœur, et notamment celle de l’interne John « JD » Dorian (Zach Braff). Malgré son statut de médecin, JD est un grand enfant qui possède la particularité de se perdre fréquemment dans ses pensées, retransmises par sa voix intérieure, et de s’imaginer des scènes loufoques inspirées de la réalité, qui sont alors représentées à l’écran, parfois en plein milieu d’une discussion avec les autres personnages.
Scrubs peut avoir plusieurs significations en argotanglais. Ici le terme fait référence à la fois aux blouses portées par le personnel médical et à un groupe de personnes de second ordre incompétentes.
Basé sur le voyage dans le temps, le téléfilm raconte l'exécution de Ba'al, le dernier des goa'ulds, et clôt ainsi un arc scénaristique commencé en 1994 dans le long métrage Stargate, la porte des étoiles. Une partie de l'histoire se déroule dans un lieu encore jamais exploré par l'équipe SG-1 : l'Arctique. L'équipe de tournage va donc se déplacer dans cette région afin de réaliser plusieurs scènes sur la banquise dans des conditions climatiques difficiles.
Les Supers Nanas (version originale : The Powerpuff Girls) est une série d'animationaméricaine créée par l'animateurCraig McCracken, et produite chez Cartoon Network Studios pour une diffusion sur la chaîne de télévision Cartoon Network, initialement entre le et le aux États-Unis. La série se centre sur les aventures de trois héroïnes et petites filles de maternelle en possession de supers-pouvoirs nommées Belle, Bulle, et Rebelle, et de leur créateur, un éminent scientifique du nom de Professeur Utonium, résidents dans la ville fictive de Townsville. Les filles sont généralement appelées par le maire de la ville pour combattre divers monstres et antagonistes.
McCracken, animateur et créateur de la série, développe le concept et l'origine des Supers Nanas en 1992 dans un court-métrage d'animation intitulé Whoopass Stew! The Whoopass Girls in: A Sticky Situation durant sa seconde année d'étude aux CalArts. Après avoir effectué un changement mineur dans le titre, la chaîne Cartoon Network diffuse le tout premier épisode des Supers Nanas dans un programme nommé World Premiere Toons en 1995 et en 1996 sous le label de Cartoon Cartoon. Un total de 6 saisons et de 78 épisodes ont été diffusés, dont deux courts-métrages : un épisode spécial noël et un épisode spécial fêtant les dix ans d'existence de la série, ainsi qu'un film inspiré de la série.
La série est positivement accueillie par l'ensemble des critiques et rédactions. Elle a été proposée six fois pour les Emmy Awards, neuf fois pour les Annie Awards, une fois pour les Kids' Choice Awards ; au total, la série originale a été proposée douze fois et récompensée quatre fois. Plusieurs médias et produits ont été inspirés de la série, créant ainsi une franchise, incluant un film, un anime, trois albums, une collection de cassettes vidéo et de DVD, et une série de jeux vidéo, parmi tant d'autres.
Les Supers Nanas (version originale : The Powerpuff Girls) est une série d'animationaméricaine créée par l'animateurCraig McCracken, et produite chez Cartoon Network Studios pour une diffusion sur la chaîne de télévision Cartoon Network, initialement entre le et le aux États-Unis. La série se centre sur les aventures de trois héroïnes et petites filles de maternelle en possession de supers-pouvoirs nommées Belle, Bulle, et Rebelle, et de leur créateur, un éminent scientifique du nom de Professeur Utonium, résidents dans la ville fictive de Townsville. Les filles sont généralement appelées par le maire de la ville pour combattre divers monstres et antagonistes.
McCracken, animateur et créateur de la série, développe le concept et l'origine des Supers Nanas en 1992 dans un court-métrage d'animation intitulé Whoopass Stew! The Whoopass Girls in: A Sticky Situation durant sa seconde année d'étude aux CalArts. Après avoir effectué un changement mineur dans le titre, la chaîne Cartoon Network diffuse le tout premier épisode des Supers Nanas dans un programme nommé World Premiere Toons en 1995 et en 1996 sous le label de Cartoon Cartoon. Un total de 6 saisons et de 78 épisodes ont été diffusés, dont deux courts-métrages : un épisode spécial noël et un épisode spécial fêtant les dix ans d'existence de la série, ainsi qu'un film inspiré de la série.
La série est positivement accueillie par l'ensemble des critiques et rédactions. Elle a été proposée six fois pour les Emmy Awards, neuf fois pour les Annie Awards, une fois pour les Kids' Choice Awards ; au total, la série originale a été proposée douze fois et récompensée quatre fois. Plusieurs médias et produits ont été inspirés de la série, créant ainsi une franchise, incluant un film, un anime, trois albums, une collection de cassettes vidéo et de DVD, et une série de jeux vidéo, parmi tant d'autres.
The Lizzie Bennet Diaries (en français « Les carnets intimes de Lizzie Bennet »), ou plus simplement LBD, est une web-série dramatique américaine adaptée de l’œuvre de Jane AustenOrgueil et Préjugés où l’intrigue, qui se déroule au début du XXIe siècle, est présentée en temps réel à travers le blog vidéo que Lizzie Bennet, jeune étudiante californienne, tient pendant un an, y ajoutant une nouvelle page deux fois par semaine, le lundi et le jeudi.
LBD a été créé par Bernie Su et Hank Green, animateur avec son frère John de VlogBrothers, sur lequel il présente le démarrage de ce nouveau projet le 12 avril 2012. Les acteurs principaux en sont Ashley Clements (Lizzie Bennet), Daniel Vincent Gordh (Darcy), Mary Kate Wiles (Lydia Bennet), Laura Spencer (Jane Bennet) et Julia Cho (Charlotte Lu). Le premier épisode est diffusé sur YouTube le lundi 9 avril 2012, le centième, et dernier, est édité le jeudi 28 mars 2013.
Innovante et originale, la série est interactive. Les personnages principaux ont leur profil sur Facebook, ils communiquent entre eux sur Twitter ; les spectateurs du vlog de Lizzie sont encouragés à dialoguer avec eux sur les diverses plateformes ainsi qu'avec les concepteurs de la série sur Tumblr.
La série raconte l'enquête d'une jeune inspectrice sur la disparition d'une fillette enceinte de douze ans dans une petite ville lacustre du Sud de la Nouvelle-Zélande. Elle aborde la question des violences faites aux femmes et la lutte entre le bien et le mal dans un « Paradis du bout du monde ». Les acteurs Elisabeth Moss, Peter Mullan, David Wenham et Holly Hunter occupent les rôles principaux et la réalisation est assurée par Jane Campion et Garth Davis.
D'une durée totale de six heures, elle est présentée au public dans les festivals de cinéma de Sundance, Berlin puis Cannes en 2013 avant d'être diffusée à la télévision. En France, Arte a acheté les droits de diffusion, prévue pour l'automne 2013. Top of the Lake a reçu un grand nombre de critiques positives, notamment sur la qualité de la réalisation et du jeu des acteurs, saluant le rythme lent, la beauté des décors et le scénario travaillé.
La série décrit la coexistence entre les humains et les vampires, récemment révélés à la face du monde. L'histoire se déroule principalement à Bon Temps, une petite ville fictive de Louisiane et se concentre sur le personnage de Sookie Stackhouse (interprétée par Anna Paquin : La Leçon de Piano, X-Men), une jeune serveuse télépathe, qui tombe amoureuse de Bill Compton (interprété par Stephen Moyer), un mystérieux vampire. À travers lui, Sookie entre dans un monde de créatures et de conflits surnaturels qu'elle n'imaginait pas ; des créatures qui sont souvent intriguées de savoir ce qu'elle est. Au fil des saisons, des personnages secondaires et principaux disparaissent et de nouveaux sont introduits, ainsi que de nouvelles créatures (des métamorphes, des loups-garous, des ménades, etc.).
La série est diffusée aux États-Unis depuis le sur HBO, en France depuis le 23 décembre 2008 sur Orange Cinémax, au Québec depuis le 5 janvier 2009 sur Super Écran, en Belgique, depuis le 2 février 2009 sur Be TV, et en Suisse depuis le 30 août 2009 sur TSR1. La série compte actuellement quatre saisons de douze épisodes de 52 minutes chacun. Le 11 août 2011, une cinquième saison a été annoncée pour une diffusion à l'été2012…
Photographie d’Eliza Dushku, l’actrice interprétant Faith, à la London Expo, le 16 octobre 2004.
Faith Lehane est un personnage fictif interprété par Eliza Dushku et créé par Joss Whedon pour les séries Buffy contre les vampires et Angel. C’est une tueuse de vampires servant au départ de faire-valoir puis d’antagoniste à l’héroïne, Buffy Summers. Les scénaristes utilisent ce personnage pour illustrer le rôle de l’éducation et de l’environnement dans le développement de la personnalité et pour montrer la puissance liée aux tueuses de vampires. Le personnage est souvent analysée comme une manière d’illustrer les liens entre bonheur et morale, ainsi que l’influence du regard des autres sur la construction de la personnalité.
Le personnage est présenté dans Bienvenue à Sunnydale, le tout premier épisode de Buffy, comme une pom-pom girl populaire du lycée de Sunnydale, fréquenté par la tueuse de vampiresBuffy Summers. C'est à travers ses relations avec le Scooby Gang, groupe formé par Buffy et ses amis, que Cordelia prend conscience de l'existence des forces surnaturelles ; cette prise de conscience la pousse à intégrer le groupe. Dans Angel, elle aide Angel à monter une agence de détectives spécialisée dans les affaires surnaturelles. Durant la saison 4 d'Angel, le personnage semble devenir moralement mauvais, avant qu'il ne soit révélé qu'elle est en fait possédée par une divinité malveillante. Ceci aboutit à la mort du personnage et à son départ de la série. Cordelia apparaît par la suite dans le one-shotAfter These Messages... We'll Be Right Back! de la saison 8 de Buffy contre les vampires, à l'occasion d'un rêve, ainsi que dans la série Angel: After the Fall, sous forme de guide spirituel...
L’épisode est réalisé et mis en scène par le créateur de la série, Joss Whedon, qui a aussi composé et écrit les chansons. À ce titre, il fait partie des épisodes remarquables de la série. Sur le plan narratif, Que le spectacle commence noue ou dénoue de nombreuses intrigues importantes : Buffy et Spike, qui se sont beaucoup rapprochés dans les épisodes précédents, entament une liaison ; Tara découvre que Willow l’a manipulée en se servant de la magie ; Alex et Anya éprouvent des doutes sur leur mariage à venir ; Giles se décide à quitter Sunnydale. Pour toutes ces raisons, il s’agit d’un des épisodes les plus connus, au-delà du cercle des fans.
Un silence de mort (en version originale : Hush) est le 10e épisode de la saison 4 de Buffy contre les vampires. Il a été écrit et réalisé par le créateur de la série Joss Whedon, qui voulait à la fois subvertir le conte de fée et évoquer les limites de la communication. En effet, une des particularités de l'épisode est l'absence de dialogue entre les personnages pendant les deux tiers du récit : la bande-son est réduite à la seule musique. Cet épisode se distingue aussi par des rebondissements narratifs dont des conséquences sont importantes pour l'ensemble de la saison et de la série. Il s'agit du seul épisode de la série à avoir été nominé pour un Emmy Award récompensant la réalisation. Whedon lui-même a reçu une nomination pour un Award dans la catégorie du meilleur scénariste d'une série dramatique.
Dans cet épisode, les Gentlemen, de nouveaux démons, arrivent à Sunnydale pour y accomplir un rituel qui nécessite de prélever des cœurs humains. Pour agir sans rencontrer de résistance, les Gentlemen privent les habitants de Sunnydale de leur capacité à parler. En plus de ce danger, les héros sont pris par leurs problèmes sentimentaux : Buffy et Riley éprouvent de plus en plus de difficultés à se dissimuler mutuellement leur identité secrète, Alex et Anya se disputent pour savoir s'ils forment un couple et Willow cherche à se remettre de sa rupture avec Oz tout en faisant la rencontre de Tara Maclay dans un cercle de sorcières.
Firefly Flanvention, décembre 2005. Allongé au premier plan : Nathan Fillion ; assise à gauche, Jewel Staite, et à droite, Morena Baccarin ; autour d'eux, de gauche à droite : Adam Baldwin, Ron Glass, Summer Glau, Alan Tudyk, Sean Maher.
L'action se déroule au XXVIe siècle, en 2517, après l'installation des humains dans un nouveau système stellaire, et suit les aventures de l'équipage renégat du Serenity, un vaisseau de classe Firefly. L'histoire dépeint les neuf personnages vivant sur le Serenity. Whedon a résumé la série comme « neuf personnes regardant l'obscurité de l'espace et voyant neuf choses différentes. »Firefly explore les vies d'un groupe de personnes qui pour la plupart ont combattu dans le camp perdant d'une guerre civile et qui maintenant vivent en marge de la société, faisant partie d'une culture pionnière existant sur les franges de leur système stellaire. Dans ce futur, les deux seules superpuissances restantes, les États-Unis et la Chine, ont fusionné pour former le gouvernement central, appelé l'Alliance, dont la culture est une fusion des deux. Selon la vision de Whedon, « rien ne changera dans le futur : la technologie progressera, mais nous aurons toujours les mêmes problèmes politiques, moraux et éthiques qu'aujourd'hui. »
Firefly a été diffusé pour la première fois sur le réseau Fox entre le et le . Mi-décembre de la même année, Firefly avait une moyenne de 4,7 millions de spectateurs par épisode et était classé 98e sur l'échelle de Nielsen. La série a été annulée après que 11 des 14 épisodes produits ont été diffusés dans le désordre. Au Canada, la série a été diffusée sur Space. En France, la série a été diffusée à partir du sur Série Club, puis sur Sci Fi en 2006. En Suisse, la série a été diffusée dès le sur TSR1.
Malgré la faible durée de vie de la série, elle a connu de fortes ventes lors de la sortie DVD et a bénéficié de larges campagnes de soutien des fans. Elle a reçu un Primetime Emmy Award en 2003 pour Meilleurs effets visuels pour une série, et TV Guide l'a classée comme no 5 sur leur liste 2013 des 60 séries qui ont été « annulées trop tôt ». La popularité de la série après sa diffusion initiale a mené en 2005 Whedon et Universal Pictures à la production d'un film la poursuivant, Serenity, puis à des adaptations dans d'autres médias comme des comics (comics Serenity) et un jeu de rôles (Serenity Role Playing Game), l'ensemble constituant la franchise Firefly.
Les R. Tam Sessions sont une série de cinq courtes vidéos en noir et blanc, d'une durée totale de huit minutes, publiées sur Internet par Joss Whedon en 2005. Prenant place dans le Serenityverse, l'univers de fiction de la série Firefly, elles montrent une série d'entrevues entre un « thérapeute de l'Académie » montré de dos, joué par Whedon lui-même, et la jeune femme émotionnellement instable nommée River Tam, interprétée par Summer Glau.
Publiées de manière non officielle (Whedon et Universal Pictures niant dans un premier temps être impliqués), ces vidéos constituaient une forme de marketing viral pour le film Serenity. Les « sessions » ont été publiées sur Internet entre le 16 août et le , et sont incluses sur l'édition collector du Blu-ray de Serenity sous le titre Session 416.
Dans l'épisode, Lisa parraine un orphelin brésilien nommé Ronaldo. Ne recevant plus de nouvelles de lui, elle contacte son orphelinat et apprend que l'enfant a disparu. Les Simpson partent alors au Brésil pour retrouver Ronaldo mais, alors qu'ils le recherchent à travers la ville de Rio de Janeiro, Homer se fait enlever. Tandis que la famille apprend qu'elle doit payer une rançon de 50 000 dollars pour libérer Homer, Lisa découvre que Ronaldo a quitté l'orphelinat parce qu'il travaille, habillé en flamant rose, dans l'émission pour enfants Télététons. Ronaldo rencontre finalement la famille Simpson et lui donne les 50 000 dollars nécessaires à la libération d'Homer.
Écrit par Bob Bendetson et réalisé par Steven Dean Moore, l'épisode contient plusieurs références à la culture populaire, parmi lesquelles une parodie de la présentatrice de télévision pour enfants Xuxa et une allusion au film Le Voyage dans la Lune de Georges Méliès. Lors de sa diffusion originale, l'épisode est vu par environ onze millions de foyers. En 2010, l'épisode est édité en DVD et Blu-ray avec les autres épisodes de la treizième saison de la série.
Assez bien reçu aux États-Unis, Aventures au Brésil est fortement critiqué au Brésil, en raison des clichés et des stéréotypes qu'il véhicule mais aussi parce que la culture brésilienne y est confondue avec celles d'autres pays d'Amérique latine. Le conseil du tourisme de Rio de Janeiro, qui souligne que la ville est décrite dans l'épisode comme abritant une forte criminalité, des enlèvements, des taudis et des infestations de rats et de singes, va même jusqu'à menacer la Fox d'une action en justice. James L. Brooks, le producteur exécutif de la série, présente alors ses excuses à la ville.
Matt Groening débute dans le milieu professionnel avec Life in Hell, publié dans le magazine Wet dès 1978, et qui est toujours présent dans deux cent cinquante revues hebdomadaires. Life in Hell attire l'attention du cinéaste James L. Brooks, qui contacte Matt Groening en 1985 pour lui proposer de travailler pour l'émission The Tracey Ullman Show, diffusée sur la Fox. Initialement, Brooks voulait que Groening adapte l'univers de Life in Hell à la télévision. Cependant, craignant de perdre ses droits de publication, Groening décide de créer un nouvel ensemble de personnages, la famille Simpson, en nommant les membres d'après sa propre famille, mis à part pour Bart. La série de courts métrages qui met en vedette cette famille typiquement américaine est par la suite devenue une série à part entière, Les Simpson, toujours diffusée aujourd'hui après plus de quatre-cent-quatre-vingts épisodes.
En 1997, Matt Groening s'associe à David X. Cohen pour développer Futurama, une série d'animation se déroulant dans les années 3000, qui débute en 1999. Après quatre années de diffusion, la Fox décide d'arrêter la série en 2003, mais Comedy Central commande seize nouveaux épisodes pour une sortie directement en vidéo. En juin 2009, Comedy Central demande vingt-six nouveaux épisodes, pour qu'ils soient diffusés en deux nouvelles saisons.
Bernard Gumble, surnommé Barney, est un personnage de fiction de la série téléviséeaméricaineLes Simpson. Barney est doublé par Dan Castellaneta dans la version originale, par Patrick Guillemin (de la saison 1 à 9) puis Pierre Laurent (depuis la saison 10) dans la version française et par Yves Massicotte dans la version québécoise. Il est apparu pour la première fois dans le premier épisode de la série, Noël mortel. Il est l'ivrogne de la ville de Springfield et le meilleur ami d'Homer Simpson. Son alcoolisme est une raison fréquente de gags et de plaisanteries dans la série. Barney a arrêté de boire dans l'épisode Sobre Barney « Alcooliques Non Anonymes », co-écrit par Dan Castellaneta, et est resté sobre durant plusieurs épisodes. Barney a été inspiré du personnage de la série animée Les Pierrafeu Barney Laroche et de plusieurs autres piliers de bar d'autres séries télévisées. En 2004, Dan Castellaneta a remporté un Emmy Award dans la catégorie meilleur doublage pour sa performance pour plusieurs personnages, dont Barney.
La Statue de la Liberté est représentée dans cet épisode
Homer contre New York (en version québécoise et française, ou The City of New York vs. Homer Simpson en version originale) est le premier épisode de la neuvième saison de la série télévisée d'animationLes Simpson. Il est diffusé pour la première fois aux États-Unis le sur le réseau de la Fox. Dans cet épisode, la famille Simpson part pour Manhattan afin de récupérer la voiture familiale, abandonnée par Barney Gumble aux abords du complexe du World Trade Center. Arrivée à New York, la famille visite la ville pendant que Homer attend à proximité de sa voiture l'arrivée d'un agent qui lui enlèvera le sabot immobilisant le véhicule. Ratant l'agent chargé de débloquer sa voiture, il décide de rouler avec le sabot et, réussissant finalement à l'ôter de la roue, roulera dans Central Park afin d'y retrouver sa famille et quitter la ville.
Le scénariste Ian Maxtone-Graham est intéressé par l'idée de faire un épisode dans lequel la famille Simpson voyagerait dans la ville de New York afin d'y récupérer sa voiture. Les producteurs Bill Oakley et Josh Weinstein suggèrent à l'auteur que l'histoire se déroule aux alentours du World Trade Center, symbole mondialement connu de la ville. Du fait de la volonté de réaliser une réplique fidèle de la ville, la réalisation de l'épisode a pris beaucoup plus de temps que celle d'un épisode classique. Après sa diffusion, l'épisode reçoit des critiques globalement positives, et est classé par certains médias parmi les meilleurs épisodes des Simpson. Après les attentats du 11 septembre 2001, l'épisode a été temporairement retiré du circuit de distribution et de diffusion.
Homer va à la fac (Homer Goes to College) est le 3e épisode de la saison 5 de la série télévisée d’animationLes Simpson. Il a été pour la première fois diffusé aux États-Unis sur la Fox le et en France sur France 3 le . Dans cet épisode, il est révélé qu’Homer n’a pas de diplôme, et il est envoyé à l’Université de Springfield pour obtenir un diplôme de physique nucléaire. Homer, qui ne connaît l’université que par le biais de mauvaises comédies, fait le pitre et est mis sous le tutorat d’un groupe de garçons. Ces garçons, qui sont le stéréotype même du nerd, tentent d’aider Homer, mais celui-ci préfère leur apprendre à faire la fête et décide de faire une blague à une université concurrente. Ils volent la mascotte de Springfield A&M, mais ses amis sont pris sur le fait et expulsés. Homer les invite à vivre chez lui, mais sa famille ne supporte rapidement plus ces nouveaux colocataires.
Homer va à la fac a été réalisé par Jim Reardon et est le dernier épisode écrit par Conan O’Brien seul. O’Brien a quitté la série au cours de la production de la saison pour animer sa propre émission, Late Night with Conan O’Brien. Il travaillait sur cet épisode quand il a été informé qu’il avait reçu ce poste et a été forcé de rompre son contrat. Le concept de l’épisode est que Homer tente d’obtenir son diplôme universitaire, mais fonde toute sa connaissance de l’université sur de « mauvais films dérivés d’American College »…
Kwik-E-Mart est une chaîne fictive d'épiceries dans la série télévisée d'animation Les Simpson. C'est une parodie des chaînes d'épiceries américaines, telles que 7-Eleven et Circle K, qui met en scène nombre de leurs stéréotypes. Kwik-E Mart est connu pour ses prix élevés et pour la faible qualité de ses produits. Le gérant de la succursale de Springfield, ville fictive où se déroule l'action des Simpson, est un Indien, Apu Nahasapeemapetilon. L'épicerie est apparue pour la première fois au cours de l'épisode Bart a perdu la tête (France) / Bart, Chasseur de tête (Québec) et fait, depuis, partie des lieux récurrents de la série.
En juillet 2007, onze magasins 7-Eleven situés aux États-Unis et au Canada ont été transformés en Kwik-E-Marts dans le cadre de la promotion du film centré sur la série. Pendant une durée limitée, 7-Eleven proposait également des produits sur le thème des Simpson dans de nombreux magasins, dont des Squishees, du Buzz Cola, des donuts ou des céréales Krusty-O's. Également en 2007, des boutiques de cadeaux façonnées d'après la chaîne Kwik-E-Mart ont ouvert à Universal Studios Florida et Universal Studios Hollywood, aux côtés de l'attraction The Simpsons Ride.
Lac Terreur (France) ou Le Cap de la peur (Québec) – en anglais Cape Feare – est le 2e épisode de la saison 5 de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il a tout d'abord été diffusé sur la Fox aux États-Unis le 7 octobre 1993 puis en France le 18 septembre 1994, et a depuis été intégré à des DVD et VHS. Écrit par Jon Vitti et réalisé par Rich Moore, Lac Terreur met en scène le retour de Kelsey Grammer dans le rôle de Tahiti Bob (Sideshow Bob en version québécoise), qui tente de tuer Bart Simpson après être sorti de prison. Le titre original Cape Feare parodie le titre du film Les Nerfs à vif de 1962 (au titre original Cape Fear) et son remake de 1991, et l'épisode fait allusion à d'autres films d'épouvante comme Psychose.
L'idée de l'épisode vient de Wallace Wolodarsky, qui voulait parodier Les Nerfs à vif. À l'origine produit pour la saison 4, l'épisode a été conservé pour la cinquième et est de fait le dernier épisode produit par l'équipe d'auteurs originale, la plupart ayant quitté la série entre les deux saisons. L'équipe de production a eu du mal à faire atteindre à l'épisode la durée classique d'une demi-heure, et a de fait gonflé certaines scènes. Dans l'une de ces séquences, Tahiti Bob marche sans arrêt sur des râteaux dont les manches le tapent au visage ; la scène est devenue l'un des moments les plus mémorables de la série. L'épisode est souvent considéré comme l'un des meilleurs du programme et a été proposé aux Emmy Awards pour sa bande originale.
Dans Les Simpson, le jeu, les cinq membres de la famille Simpson — Homer, Marge et Maggie, Bart et Lisa — apprennent qu'ils font partie d'un jeu vidéo et qu'ils sont dotés de super-pouvoirs les aidant à résoudre plusieurs problèmes. À la fin, ils doivent sauver leurs prédécesseurs 8-bits de Will Wright et de leur propre créateur, Matt Groening. La famille Simpson voyage à travers quatre scénarios et seize niveaux parodiant d'autres jeux afin de collectionner des cartes clés utilisées pour infiltrer le manoir de leur créateur et sauver leurs prédécesseurs de la destruction.
Les Simpson, le jeu est accueilli de manière mitigée à positive par l'ensemble des critiques et rédactions. Ces dernières louent la qualité des graphismes et du scénario, qui incluent de nombreuses parodies d'autres jeux vidéo, mais déplorent la courte durée du jeu et la pauvreté du système de caméras virtuelles, qui ne fonctionne pas toujours de manière optimale. Les Simpson, le jeu est récompensé dans la catégorie du meilleur jeu vidéo basé sur un film ou une série télévisée à la cérémonie des Spike Video Game Awards de 2007, et nommé pour le meilleur scénario vidéoludique à la cérémonie des Writers Guild of America Awards. Le 9 novembre 2013, 6,78 millions d'exemplaires du jeu, tous supports confondus, ont été vendus à travers le monde.
Lisa la végétarienne (en version québécoise et française, ou Lisa the Vegetarian en version originale) est le cinquième épisode de la saison 7 de la série télévisée d'animationLes Simpson. Il est diffusé pour la première fois sur le réseau Fox aux États-Unis le . Dans l'épisode, Lisa décide d'arrêter de consommer de la viande après s'être prise d'affection pour un agneau dans un petit zoo. Ses camarades de classe et sa famille ne la prennent alors pas au sérieux mais, après avoir reçu le soutien d'Apu, de Paul et de Linda McCartney, elle décide de devenir végétarienne.
Réalisé par Mark Kirkland, Lisa la végétarienne est le premier épisode de la série complètement écrit par David X. Cohen. David Mirkin, le show runner de l'époque, apporte son soutien à l'épisode car il vient de devenir végétarien lui-même. L'ancien membre des Beatles, Paul McCartney et sa femme d'alors, Linda, font office de guest stars dans l'épisode. La condition pour que Paul McCartney apparaisse dans Lisa la végétarienne est que Lisa reste végétarienne pour le reste de la série. L'épisode fait plusieurs références à sa carrière musicale et son titre Maybe I'm Amazed est joué au cours du générique.
Lisa la végétarienne termine à la 47e place des audiences de la semaine du 9 au , avec un score sur l'échelle de Nielsen de 9,03, l'équivalent d'environ 8,63 millions de ménages ayant vu l'épisode. L'épisode est le quatrième programme le mieux classé de la semaine sur le réseau Fox. Dans l'ensemble l'épisode reçoit des critiques positives et remporte deux récompenses : un Environmental Media Award et un Genesis Award, pour avoir mis en lumière des causes environnementales et animales.
McClure est partiellement basé sur les acteurs de séries B américains Troy Donahue et Doug McClure, ainsi que sur Phil Hartman lui-même. Après l'assassinat de Hartman en 1998, le personnage est retiré, faisant sa dernière apparition dans Lézards populaires. McClure est souvent cité comme l'un des personnages de séries télévisées les plus populaires ; en 2006, IGN l'a classé premier sur son « top 25 des personnages secondaires des Simpson ».
Initialement, Frink est dépeint comme un savant fou et diabolique. Lorsque Hank Azaria, le doubleur américain, improvise la voix du personnage, il s'inspire du personnage de Julius Kelp dans le film Docteur Jerry et Mister Love. L'équipe de la série aime cette voix et décide donc de changer Frink de manière à ce qu'il ressemble plus à Julius Kelp, à la fois en apparence et dans sa personnalité. Il devient ainsi plus ringard et passe de diabolique à « simplement » fou. En 2003, Jerry Lewis est invité à incarner le père de Frink dans l'épisode Simpson Horror Show XIV.
Le professeur reçoit de nombreuses critiques positives, notamment pour ses inventions bizarres. Il apparaît dans de nombreuses listes de personnages secondaires des Simpson préférés. Frink est utilisé dans d'autres médias liés à la série, comme les bandes dessinées, les jeux vidéo et même dans le cinéma dynamique du parc Universal Studios Florida. La popularité du personnage l'a même conduit à donner son nom au langage de programmationinformatique créé en 2001 Frink.
Le Quatuor d'Homer (Homer's Barbershop Quartet en version originale, Homer chante en harmonie en version québécoise) est le premier épisode de la saison 5 des Simpson. Écrit par Jeff Martin et réalisé par Mark Kirkland, l'épisode met en scène les Bémols (Si Dièse en version québécoise, The Be Sharps dans la version originale), un quatuor barbershop fondé par Homer Simpson, dont l'histoire est très proche de celle des Beatles. George Harrison et David Crosby apparaissent dans leur propre rôle, et le quatuor barbershop américain des Dapper Dans joue le rôle des Bémols lorsqu'ils chantent.
L'épisode commence lorsque la famille Simpson se rend au marché aux puces. Bart et sa sœur Lisa découvrent une photo de leur père, Homer, sur la couverture d'un vieux Long play. Homer explique à sa famille que le principal Skinner, Barney Gumble, Apu Nahasapeemapetilon et lui avaient enregistré un album de barbershop en 1985 qui avait rencontré un succès national. Il raconte la formation du groupe, son apogée et sa séparation. À la fin de l'épisode, les membres du groupe se réunissent pour un concert sur le toit de la Taverne de Moe et interprètent leur hit Baby on Board.
L'épisode contient de nombreuses références aux Beatles et à d'autres icônes de la culture populaire. Lors de sa première diffusion aux États-Unis, Le Quatuor d'Homer est arrivé trentième audience de la semaine, avec une note de 12,7 sur l'échelle de Nielsen. Le caméo des Beatles a été salué, même si l'épisode est une chute de la saison précédente. Les critiques qui ont reproché à l'épisode son humour inégal l'ont justifié par le changement de scénaristes avant la création de celui-ci.
David Mirkin est le producteur exécutif et show runner de cet épisode.
Rosebud (version originale et française, ou Bobo en version québécoise) est le quatrième épisode de la saison 5 de la série télévisée d'animationLes Simpson. Il a été diffusé pour la première fois par la Fox aux États-Unis le . L'épisode débute en montrant comment, la veille de son anniversaire, M. Burns désire l'ours en peluche de son enfance, Bobo. L'ours arrive dans les mains de Maggie Simpson et Burns fait tout ce qu'il peut pour le récupérer.
La série devait au départ commencer à la fin de l'année 1989 avec l'épisode Une soirée d'enfer, qui présente les personnages principaux. Cependant, lors du premier contrôle de l'épisode, les producteurs se rendent compte que l'animation est si mauvaise que 70 % de l'épisode doit être refait. Ils décident alors d'annuler la série si l'épisode suivant est aussi médiocre, mais il ne souffre alors que de problèmes facilement corrigibles. Le début de la saison est cependant déplacé au , avec la diffusion de l'épisode Noël mortel, le pilote de la série. Lors de la diffusion en France, l'ordre des épisodes est rétabli et Une soirée d'enfer en devient le premier.
La saison remporte un Emmy Award et est nommée pour quatre autres récompenses. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1, le ; en régions 2 et 4, le et en région 5, le . Elle est aussi sortie sur l'iTunes Store le en tant qu'« édition numérique ».
La saison est proposée dans deux catégories des Emmy Awards et remporte celui du meilleur programme d'animation de moins d'une heure. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 6 août 2002, en région 2 le 8 juillet 2002, en région 4 le 23 et en région 5 le 18 septembre 2008.
À la suite de nombreuses disputes avec Matt Groening, le créateur de la série, et James L. Brooks, l'un des producteurs, Sam Simon quitte l'équipe des Simpson à la fin de cette saison. Dans le même temps, Al Jean et Mike Reiss créent Profession : critique, emmenant avec eux plusieurs des scénaristes de la série.
La saison est proposée pour deux Emmy Awards et Dan Castellaneta remporte celui du meilleur doublage pour le rôle d'Homer dans l'épisode Monsieur Chasse-neige. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le , en région 2 le de la même année, le en région 4 et en région 5, le .
La cinquième saison des Simpson a été diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le 30 septembre 1993 et le 19 mai 1994. En France, elle a été diffusée du 3 septembre 1994 au 4 février 1995. Le show runner de cette saison est David Mirkin qui a été le producteur exécutif de vingt épisodes. La saison contient également certains des épisodes les plus appréciés de la série par la critique, notamment Lac Terreur et Rosebud. Elle contient également le centième épisode de la série, Un ennemi très cher.
La 5e saison marque également un tournant pour la série puisque l'équipe de scénaristes originale a en grande partie quitté le programme à la fin de la 4e saison. Un autre scénariste, Conan O'Brien, a quitté la série en cours de saison pour animer sa propre émission.
La saison a été nommée pour deux Emmy Awards et a remporté un Annie Award pour le meilleur programme télévisé ainsi qu'un Environmental Media Award et un Genesis Award. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 21 décembre 2004, en région 2 le 21 mars 2005, et en région 4 le 23 mars 2005.
L'épisode Burns fait son cinéma est la cause de quelques tensions au sein de l'équipe de la série, si bien que le créateur de celle-ci, Matt Groening, décide de retirer son nom du générique, voyant cet épisode comme une publicité flagrante pour Profession : critique, une série diffusée à la même heure sur une autre chaîne. Après trois saisons de diffusion les mardis soirs, la Fox décide de reprogrammer Les Simpson le dimanche soir. Depuis la série est toujours diffusée à cette heure.
La saison est proposée pour quatre Emmy Awards et l'épisode Le Mariage de Lisa remporte celui du meilleur programme d'animation de moins d'une heure. Elle remporte également l'Annie Award de la meilleure production animée pour la télévision. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 16 août 2005, en région 2 le 17 octobre de la même année, le 28 septembre en région 4, et en région 5 le 9 septembre 2010.
La saison remporte un Annie Award et est proposée pour deux Emmy Awards. L'épisode Lisa la végétarienne remporte un Environmental Media Award et un Genesis Award. Le coffret DVD de la saison sort en région 1 le 13 décembre 2005, en région 2 le 30 janvier 2006 et le 29 mars de la même année en région 4.
La saison est proposée pour quatre Emmy Awards, et en remporte deux. L'épisode La Phobie d'Homer remporte un Annie Award, un WAC Award et un prix GLAAD Media. Le coffret DVD de la saison sort en région 1 le 15 août 2006, en région 2 le 2 octobre et le 27 septembre de la même année en région 4.
Lorsqu'il étudie à l'université Stanford, Sam Simon travaille en tant qu'auteur de bande dessinée pour le journal de l'université. Après l'obtention de son diplôme, il devient artiste de storyboard pour les studios Filmation. Dans la foulée, il écrit un scénario pour la série Taxi, dont il deviendra plus tard le show runner. Pendant les années suivantes, Sam Simon est producteur et scénariste de Cheers, de It's Garry Shandling's Show et d'autres programmes. Il scénarise également le film Le Proprio sorti en 1991.
En 1989, Sam Simon développe la série animée Les Simpson avec Matt Groening et James L. Brooks. Il réunit la première équipe de scénaristes de la série et travaille sur le scénario de huit épisodes. Son travail sur Les Simpson est jugé à l'origine du « développement de la sensibilité » de la série. Toutefois, les relations entre Sam Simon et Matt Groening sont tendues et Sam Simon quitte la série en 1993, après avoir négocié des indemnités élevées. L'année suivante, en compagnie de George Carlin, Sam Simon crée The George Carlin Show, avant de travailler plus tard en tant que réalisateur d'émissions telles que le Drew Carey Show. Au total, Sam Simon a gagné neuf Emmy Awards pour son travail télévisuel.
Dans ses dernières années Sam Simon se tient loin des écrans de télévision. Il intervient régulièrement dans les émissions radiophoniques de Howard Stern et manage le boxeur Lamon Brewster jusqu'à le mener à la victoire au championnat du monde poids lourds de la World Boxing Organization en 2004. Il joue régulièrement au poker, terminant à six reprises dans les places payées des World Series of Poker. Il crée également la Sam Simon Fondation, qui sauve et dresse des chiens errants, et finance le quatrième navire de la Sea Shepherd Conservation Society. Après avoir été marié deux fois, avec l'actrice Jennifer Tilly et la playmate Jami Ferrell, il se fiance peu avant son décès avec la maquilleuse Kate Porter.
En 2012, Sam Simon est atteint d'un cancer colorectal en phase terminale. Il décide alors de léguer sa fortune de 100 millions de dollars à divers organismes de bienfaisance qu'il a soutenus durant sa vie et meurt trois ans plus tard, le , à l'âge de 59 ans.
Comme les autres épisodes de Halloween, l'épisode est considéré comme non canonique, et ne s'inscrit pas dans la continuité de la série. L'épisode fait référence à des séries télévisées telles que La Quatrième Dimension, Night Gallery et Peanuts. Il fait aussi référence à quelques films tels que Dracula et Génération perdue. Depuis sa diffusion, l'épisode a reçu des critiques majoritairement positives. Il a atteint un indice de 14,5 sur l'échelle de Nielsen, et a réalisé la plus forte audience sur le réseau Fox la semaine de sa diffusion…
Bart Simpson est un des personnages principaux de la série animéetéléviséeLes Simpson et fait partie de la famille éponyme. Il est doublé par Nancy Cartwright dans la version originale, par Joëlle Guigui dans la version française et par Johanne Léveillé en québécois. Bart est apparu pour la première fois à la télévision avec le reste de la famille dans le court métrageGood Night, le . Il a été créé par le dessinateur Matt Groening, à qui il avait été fait appel pour lancer une série de courts métrages basée sur Life in Hell, mais celui-ci a décidé de créer un nouvel ensemble de personnages. Alors que les autres personnages de la famille Simpson sont nommés d'après la famille de Groening, le nom de Bart est une anagramme du mot anglaisbrat, signifiant « môme ». Après avoir fait l'objet de courts métrages durant trois ans, la famille Simpson a eu droit à sa propre série sur le réseau Fox dès le .
Âgé de dix ans, Bart est le seul garçon d'Homer et Marge et le frère aîné de Lisa et Maggie. Les traits de caractère les plus importants de Bart sont son espièglerie, son attitude rebelle et son manque de respect envers l'autorité. Il est apparu dans d'autres médias sur le thème des Simpson, dont des jeux vidéo, un film, The Simpsons Ride, des publicités et des bandes dessinées, et a inspiré toute une gamme de produits dérivés...
Homer est le père de la famille Simpson. Avec sa femme, Marge, ils ont trois enfants : Bart, Lisa et Maggie. Il travaille à la centrale nucléaire de Springfield et incarne le stéréotype américain de la classe ouvrière ; il est vulgaire, en surpoids, incompétent, maladroit, paresseux, ignorant mais est cependant dévoué à sa famille.
La série met en scène la vie quotidienne de la famille Simpson, caricature de la famille américaine moyenne, à Springfield. Elle doit souvent faire face à de nombreuses aventures au cours de leur vie quotidienne, qui parodient le style de vie de la société américaine. Les membres de la famille, tous jaunes de peau, sont Homer, Marge, Bart, Lisa et Maggie.
Âgée de huit ans, Lisa est l'enfant cadette de la famille Simpson, fille aînée de Marge et Homer, petite sœur de Bart et grande sœur de Maggie. Elle est extrêmement intelligente, joue du saxophone, est végétarienne depuis la saison sept, bouddhiste depuis la saison treize et soutient de nombreuses causes. Elle est apparue dans d'autres médias sur le thème des Simpson, dont les jeux vidéo, le film, The Simpsons Ride, les publicités et les bandes dessinées, et a inspiré toute une gamme de produits dérivés...
Maggie est la plus jeune enfant de Marge et Homer et la sœur de Bart et Lisa. Elle est souvent vue en suçant sa tétine et il lui arrive de trébucher sur ses vêtements alors qu'elle essaye de marcher.
Marge est la mère bien intentionnée et très patiente de la famille Simpson. Avec son mari, Homer, elle a trois enfants : Bart, Lisa et Maggie. Marge est la force moralisatrice de sa famille et essaie souvent de maintenir l'ordre dans la maison des Simpson. Elle est présentée comme le stéréotype télévisé de la mère au foyer et est souvent présente dans les listes des meilleures mères de télévision.
La manière dont se comporte Waylon Smithers envers son supérieur est en partie inspirée de la façon dont de nombreux membres de l'équipe de la Fox considèrent le créateur de la chaîne, Barry Diller. L'idée de l'orientation sexuelle de Smithers vient de Sam Simon, producteur de la série, qui propose qu'il puisse être homosexuel. Il ajoute toutefois que les scénaristes ne devraient jamais y porter trop d'attention mais simplement garder cette idée comme toile de fond du personnage. Son prénom, Waylon, est utilisé pour la première fois dans l'épisode Vive les mariés, et provient du marionnettisteWayland Flowers. Lors de sa première apparition dans Un atome de bon sens, Smithers apparaît, à cause d'une erreur du styliste, Gyorgi Peluci, sous les traits d'un Afro-Américain.
La relation entre Smithers et M. Burns est un long comique de répétition dans Les Simpson. Il est un assistant obéissant et flagorneur. À bien des égards, Smithers représente le stéréotype de l'homosexuel inavoué et de nombreuses allusions et doubles sens permettent de confirmer son attirance pour les hommes, même si plusieurs producteurs de la série le considèrent plutôt comme « Burns-sexuel ».
Dix-huit personnages sont présents dans le jeu, chacun étant doublé par les mêmes acteurs que ceux de la série. Chaque personnage dispose de ses propres mouvements qu'il peut exécuter sur le ring. Les matchs se tiennent dans différents endroits modélisés en 3D de la ville de Springfield ; ils se terminent lorsque l'un des personnages rive au sol les épaules de son adversaire pour un compte de trois par l'arbitre.
Le jeu a été mal accueilli par la presse spécialisée et a obtenu une moyenne de seulement 32 % sur Metacritic. Les critiques ont pointé du doigt les mauvais graphismes et le gameplay simpliste et déséquilibré mais ont apprécié la bande son du jeu.
La 20th Century Fox a été créée en 1935 par fusion de Fox Film et de Twentieth Century Pictures sous la présidence de Sidney Kent. Fox Film avait été créée par William Fox. Twentieth Century Pictures avait été créée en 1933 par Darryl F. Zanuck, un ancien producteur de Warner Brothers, et Joseph Schenck, l'ancien président de United Artists.
La Rivière Salmon et les montagnes Sawtooth, dans l'Idaho, où voyagent les héros du film.
Alpha et Oméga (Alpha and Omega ou Alpha and Omega in 3D) est un film d'animationindo-américain réalisé par Anthony Bell et Ben Gluck, sorti en aux États-Unis. C'est le sixième long métrage d'animation des studios de la Crest Animation Productions, six ans après leur précédente production, et c'est le premier film issu de la collaboration entre ces studios et Lionsgate, dans le cadre d'un contrat prévoyant trois longs métrages en images de synthèse. Le film a été entièrement produit dans les studios de la « Crest » en Inde et aux États-Unis sur une période d'un an et demi seulement.
Le film est surtout connu pour être la dernière apparition de l'acteur Dennis Hopper, qui prête sa voix à un des personnages, et qui décède le 29 mai 2010 d'un cancer de la prostate, plus de trois mois avant la sortie en salle aux États-Unis. Le film lui est dédié.
Malgré un accueil critique assez mauvais de la part de la presse, le film obtient un certain succès auprès du public, avec un chiffre d'affaires de plus de cinquante millions de dollars. C'est une victoire pour la Crest Animation Productions, qui remporte le premier succès de son histoire depuis le film Le Cygne et la Princesse (1994) ; il devient aussi le film d'animation le plus rentable qu'ait produit le studio Lionsgate.
Promotion du film à Amsterdam en 1971, avec des costumes représentant deux personnages dont Scat Cat.
Les Aristochats (The Aristocats) est le 25elong-métrage d'animation et le 20e« Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1970 et réalisé par Wolfgang Reitherman, ce film est inspiré d'une histoire de Tom McGowan et Tom Rowe, qui met en scène des chats, désignés comme héritiers par une vieille dame parisienne, aux prises avec un majordome qui souhaite bénéficier seul et plus rapidement de cet héritage.
Ce film est le dernier dont la production a été approuvée par Walt Disney, décédé fin 1966, avant que le film ne soit réalisé. L'élément le plus important du film est sa musique, avec la participation de Maurice Chevalier et des frères Sherman. Malgré un succès en salles, les critiques négatives sont nombreuses surtout à cause de la réutilisation d'une recette classique, tant dans le scénario que dans l'animation, dans les acteurs ou dans la musique. Cet usage est souvent vu comme une conséquence du décès de Walt Disney tandis que d'autres évoquent la mise à la retraite progressive de la plupart des artistes du studio. L'absence d'un méchant d'envergure est aussi un sujet de critiques.
Pour les studios Disney, après Le Livre de la jungle en 1967, le film s'inscrit dans les prémices de la période de déclin des années 1970 qui précède une forme de léthargie tout au long des années 1980, avant le Second âge d'or, débutant en 1989.
La production du film démarre après la sortie du Bossu de Notre-Dame en 1996 et, au lieu de faire une énième comédie musicale, l'équipe choisit de faire un film d'aventure en animation inspiré par les œuvres de Jules Verne. Le film comporte un style visuel distinctif issu de la coopération de l'auteur de comics Mike Mignola, ce qui donna au film un intérêt pour ses fans. À sa sortie, c'est la production de Disney utilisant le plus l'animation numérique (Pixar étant alors un studio indépendant) et l'un des rares utilisant le format anamorphosé. Le linguiste Marc Okrand, créateur du klingon, a créé pour le film une langue fictive, l'atlante, tandis que James Newton Howard a composé la bande-son du film.
Le film a été présenté à une époque où l'intérêt du public pour l'animation traditionnelle changeait pour le tout numérique, quelques semaines après la sortie du premier opus de Shrek. La première du film a eu lieu le 3 juin 2001 à l'El Capitan Theatre, salle détenue par Disney, mais la sortie du film aux États-Unis n'a pas apporté le succès escompté. Produit pour 100 millions de $ US, le film n'a rapporté que 84 millions aux États-Unis, mais totalise plus de 186 millions à l'international. Ce mauvais score a stoppé les idées d'adaptation du film telles qu'une série télévisée et une attraction. Les raisons évoquées sont principalement liées au public mal cerné, un film d'aventure pour un public plus adulte, mais une animation Disney traditionnellement associée à la musique et au jeune public. Les trois épisodes entamés de la série ont été groupés sous la forme d'une suite sortie directement en vidéo en 2003 : Les Énigmes de l'Atlantide.
Il forme avec son frère le groupe de rock The Bacon Brothers depuis 1995 et son nom a servi de base au jeu sur le cinéma populaire aux États-Unis, The Six Degrees of Kevin Bacon (« Les six degrés de Kevin Bacon »), dont le but est de relier un acteur à Kevin Bacon par le moins de films communs possible.
Ce film est le premier d'une trilogie basée sur le personnage de Balto et le seul de cette série à se fonder sur une histoire vraie. En effet, le scénario du film est tiré de l'épidémie de diphtérie qui sévit en 1925 sur la ville de Nome, en Alaska, ainsi que sur la course au sérum, relais d'attelages de chiens pour transporter le vaccin antidiphtérique de la ville de Nenana jusqu'à Nome. Néanmoins, certaines parties du scénario sont fictives. Les deux suites du film ne sont pas tirées de faits réels, même si l'épidémie sert encore de toile de fond. Le film est considéré par les critiques cinématographiques et le public comme le meilleur de la trilogie.
Lors de sa sortie en salle, le film n'arrive pas à éveiller l'intérêt, notamment à cause de la sortie du film Toy Story des studios Disney en collaboration avec Pixar, et cela pèse dans l'avenir des studios Amblimation qui ferment leurs portes deux ans plus tard. Kevin Bacon, qui double la voix du personnage de Balto, fait sa seule expérience de doublage pour un dessin animé, cassant ainsi, pour un court moment, son image d'acteur de film noir.
Jerry O'Connell, ici en 2008, joue son premier rôle comme personnage principal au cinéma dans Bienvenue chez Joe.
Bienvenue chez Joe, également connu sous les titres Joe's Apartment ou L'Appartement de Joe, est une comédieaméricaine réalisée par John Payson, sortie en 1996. Ce film est connu pour être la première production de MTV Films, filiale de la société MTV Networks, gérant la chaîne de télévision MTV. C'est aussi la première des deux productions commune entre MTV Films et Geffen Pictures.
Le film est tiré d'un court métrage, Joe's Apartment, également réalisé par John Payson, et diffusé pour la première fois sur MTV en 1992. L'histoire est celle de Joe, un jeune homme naïf, qui arrive de l'Iowa pour s'installer dans la ville de New York. Par un concours de circonstances, il s'installe dans un appartement insalubre, qui se révèle être habité par une colonie de cafards.
Le film est un échec à la fois critique et public ; il ne remporte qu'un peu plus de quatre millions de dollars, alors qu'il a coûté treize millions à la production. Le film est vu comme une analyse corrosive de la vie new-yorkaise ainsi qu'un désenchantement du rêve américain. Malgré cet accueil globalement décevant, le film reçoit quelques récompenses saluant notamment le travail d'animation des cafards effectué par les Blue Sky Studios de Chris Wedge.
Le développement du projet ainsi que le tournage du film sont difficiles. Les producteurs, peu satisfaits de la version du réalisateur, opèrent quelques changements, modifiant notamment la fin du film. À sa sortie, le film est un échec commercial aux États-Unis et est accueilli durement par la critique. Il remporte néanmoins trois BAFTA Awards ainsi que le prix Hugo et rencontre le succès dans le reste du monde.
La réputation du film s'améliore avec les années notamment lorsqu'une version director's cut, approuvée par Ridley Scott, sort en 1992. Cette version instaure plus clairement le doute quant à l'identité réelle de Deckard et renforce donc la thématique principale du film qui est un questionnement sur notre humanité. Le style visuel du film et son ambiance néo-noire en font désormais une référence de la science-fiction et plus particulièrement du mouvement cyberpunk. Il est sélectionné en 1993 par la National Film Registry de la Bibliothèque du Congrès pour être conservé en raison de son importance et, en 2007, par l'American Film Institute dans son classement des 100 plus grands films américains de tous les temps, à la 97e place. Il est considéré comme un film majeur de l'histoire du cinéma car précurseur de différents styles grâce à l'utilisation de thèmes récurrents ; nombre d'autres films, de séries télévisées et de jeux vidéo s'en sont inspirés.
Une version restaurée, baptisée « final cut », sort en 2007.
Fort d’une carrière cinématographique s’étalant sur près de quarante ans, Carpenter a réalisé nombre de films d’horreur et de science-fiction qui ont acquis, au fil des ans, une renommée internationale. Réalisateur indépendant, il met en scène son premier long-métrage, Dark Star, en 1974, alors qu’il n’a que 25 ans. Il signe deux ans plus tard un film d’action, Assaut, avant de se tourner vers un autre registre avec Halloween, la nuit des masques : l’horreur. Un genre qui deviendra vite son genre de prédilection. Sorti en 1978, Halloween rencontre un formidable succès, aussi bien critique que commercial. Dès lors, la carrière de Carpenter est lancée, et les productions se succèdent, Hollywood lui ouvrant par ailleurs ses portes grâce à son nouveau statut de « réalisateur rentable ».
Metteur en scène polyvalent, Carpenter a réalisé, écrit et composé la musique de la plupart de ses films. Au fil de sa carrière, il a progressivement imposé son style dans les registres de l’épouvante et de la science-fiction, au point d’être considéré comme le « Maître de l’Horreur »...
Le sujet principal du film est le conflit de Rick Blaine (Humphrey Bogart) entre l’amour et la vertu : il doit choisir entre ses sentiments pour Ilsa Lund (Ingrid Bergman) et son besoin de faire ce qui est juste pour aider le mari de celle-ci, le héros de la Résistance Victor Laszlo, qui doit fuir Casablanca pour continuer son combat contre les nazis.
Le film a connu un succès immédiat, qui ne s’est pas démenti depuis. La plupart des critiques ont vanté les performances charismatiques de Bogart et Bergman, l’alchimie entre ces deux vedettes, la profondeur des personnages de fiction, la finesse du scénario ainsi que l’impact émotionnel du film dans sa globalité.
Bien que Drive présente des points communs avec le film de course-poursuite de Walter Hill, Driver, il est adapté du roman homonyme de James Sallis par Hossein Amini. Comme dans le livre, le film traite de la double vie d'un homme, interprété par Ryan Gosling, cascadeur le jour et chauffeur pour criminels la nuit. Le réalisateur a expliqué qu'il avait été influencé par Bullitt (1968) et Le Jour du fléau (1975), et que Drive est un hommage à Alejandro Jodorowsky.
Elle commence sa carrière de comédienne au milieu des années 1960. L'immense succès du film Bonnie et Clyde en 1967 fait d'elle une star. Sex-symbol dans les années 1960 et 1970, elle joue les femmes froides et sensuelles, à poigne et névrosées, guettées par la déchéance dans des films comme L'Affaire Thomas Crown, Chinatown ainsi que Network pour lequel elle reçoit un oscar. Sa carrière, qui a connu des hauts et des bas (elle reçut un Razzie Awards dans la catégorie Pire actrice pour Maman très chère), est néanmoins qualifiée d'exceptionnelle par la critique de cinéma.
Considérée comme un « modèle de sophistication et de grâce intemporelle », elle est également connue pour son tempérament difficile. Au cours de sa carrière, elle a travaillé avec les plus grands acteurs sous la direction des plus fameux réalisateurs de sa génération. Les films qu'elle tourne dans les années 1970, de Little Big Man aux Yeux de Laura Mars font d'elle l'une des actrices les plus notables de cette décennie.
Eminem (parfois stylisé EMINƎM) aliasSlim Shady, de son vrai nom Marshall Bruce Mathers III (né le à Saint Joseph, Missouri), est un auteur-compositeur-interprète de rap également producteur et acteuraméricain. Eminem, en plus de sa carrière solo, est membre du groupeD12 dont il est cofondateur et compose le duoBad Meets Evil avec Royce da 5'9". Eminem est l'un des artistes ayant vendu le plus d'albums dans l'histoire de l'industrie musicale et est le plus gros vendeur de la décennie allant de 1999 à 2009. Il a été inclus dans de nombreuses listes énumérant les meilleurs artistes de tous les temps, y compris celle du magazine Rolling Stone où il se classe quatre-vingt-deuxième. Le même magazine l'a déclaré « Roi du hip-hop ». En incluant ses travaux avec D12 et Bad Meets Evil, il a classé dix albums au sommet des classements américains. Il a vendu 225 millions de disques à travers le monde : 105 millions d'albums dans le monde dont 50 millions aux États-Unis et 120 millions de singles.
Encore inconnu du grand public, Eminem sort son premier album, intitulé Infinite, en 1996. Le disque est un échec critique et commercial. Il obtient une popularité mondiale après la sortie de son deuxième album, le premier sur le label du producteur et rappeur Dr. Dre, The Slim Shady LP en 1999. Cet album lui vaut son premier Grammy Award, celui du « meilleur album rap ». Il remporte le même trophée pour ses deux albums suivants, The Marshall Mathers LP et The Eminem Show, ce qui fait de lui le recordman du nombre de victoires consécutives pour ce prix. Le rappeur enchaîne en 2004 avec l'album Encore. Après une retraite forcée de trois ans, Eminem fait son come-back en 2009 avec l'album Relapse, laissant derrière lui ses problèmes de drogue. L'année suivante, il sort son septième album studio, Recovery, qui est un succès planétaire. En effet, il est l'album le plus vendu de l'année 2010, tout comme The Eminem Show en 2002. Eminem totalise treize Grammy Awards dans sa carrière.
Every Sunday (parfois appelé par erreur Every Sunday Afternoon, One Sunday Afternoon ou Opera vs. Jazz) est un court métragemusicalaméricain en noir et blanc de onze minutes, sorti le . Réalisé par Felix E. Feist, il suit l'histoire de deux jeunes filles s'efforçant de sauver une série de concerts publics, dont l'existence est menacée par la désaffection du public.
Ce court-métrage est resté célèbre pour avoir servi de bout d'essai à Judy Garland et Deanna Durbin, deux jeunes actrices qui deviennent par la suite des célébrités de premier plan. Il marque par ailleurs leur unique collaboration et leur première apparition significative à l'écran. Passé relativement inaperçu à l'époque de sa sortie, il s'est forgé une réputation généralement positive parmi les biographes de Judy Garland.
Madonna à Londres en 2005 pour la promotion de son documentaire I'm Going to Tell You a Secret
L'artiste américaine Madonna a entamé sa carrière d'actrice dès 1979, avant même d'avoir enregistré son premier 45 tours, en jouant dans le film undergroundA Certain Sacrifice, qu'elle a tourné entre 1979 et 1981 lors de son arrivée à New York. Toutefois, c'est en 1985 que sa carrière d'actrice débute vraiment grâce au film Recherche Susan désespérément. Les critiques positives pour ses débuts dans ce qui est son premier film commercial la poussent à participer à plusieurs films, dont les films à succès Dick Tracy (1990), Une équipe hors du commun (1992) et Evita (1996), pour lequel elle reçoit un Golden Globe de la meilleure actrice en 1997. Cependant, la plupart de ses films ont été des échecs critiques et commerciaux, lui rapportant 11 nominations pour les Razzie Awards entre 1987 et 2010, dont 9 récompenses, faisant d'elle l'actrice ayant reçu le plus de fois un Razzie Award.
Gladiator revisite le genre du péplum, dont un des derniers films majeurs était Spartacus, sorti en 1960. Le film ne se fonde pas sur des événements réels, mais reprend les noms des empereurs Marc Aurèle et Commode, son fils. L'intrigue raconte la chute du général romain Maximus Decimus (Russell Crowe) dont Marc Aurèle veut faire son successeur, brutalement trahi et laissé pour mort par l'ambitieux Commode (Joaquin Phoenix), qui assassine son père pour devenir empereur. Maximus, dont la famille a été massacrée, va par la suite devenir un esclave gladiateur, conquérir le cœur du peuple romain par ses talents de combattant dans l'arène du Colisée et finalement affronter Commode dans un ultime combat. Connie Nielsen, Ralf Moeller, Djimon Hounsou, Derek Jacobi et Richard Harris font aussi partie de la distribution.
Outre le fait qu'il fut un succès commercial, avec des recettes dépassant les 450 millions de dollars américains pour un budget initial de 103 millions de dollars, le film a remporté de nombreux prix, en particulier cinq Oscars récoltés lors de la 73e cérémonie des Oscars (dont celui du meilleur film, et celui du meilleur acteur pour Russell Crowe).
Le film met en scène Donald Pleasence dans le rôle du docteur Samuel Loomis et Jamie Lee Curtis (dont la carrière a été lancée grâce à ce film) dans le rôle de la baby-sitterLaurie Strode. Halloween : La Nuit des masques est considéré comme un classique du cinéma d'horreur, et comme l'un des films les plus influents de son époque, ce qui, en 2006, lui a valu d'être retenu par le National Film Registry comme un film « culturel, historique ou esthétiquement important ».
L'intrigue se déroule durant la nuit d'Halloween, alors qu'un tueur, ayant déjà commis un meurtre étant enfant et tout juste évadé de l'hôpital psychiatrique après 15 ans de détention, sème la mort et la terreur dans une petite ville américaine.
La Nuit des masques est devenu l'un des films indépendants les plus rentables de l'histoire, avec un box-office de 47 000 000 $. Beaucoup de critiques ont rapproché le film de celui d'Alfred Hitchcock, Psychose (1960) car il ne contenait que peu d'images violentes ou gore. Certains d'entre eux, pourtant, ont suggéré que Halloween : La Nuit des masques encourageait le sadisme et la misogynie. D'autres y ont vu une critique sociale de l'immoralité des jeunes dans l'Amérique des années 1970. Ces analyses ont toujours été rejetées par Carpenter.
Tarantino a commencé à écrire le scénario du film plus de dix ans avant sa sortie mais, ayant des difficultés à le terminer, a réalisé Kill Bill et Boulevard de la mort avant d'achever ce projet de longue date. Le film a été tourné en France et en Allemagne à la fin de l'année 2008. Présenté pour la première fois en compétition officielle au Festival de Cannes 2009, le film a été un succès commercial et critique et a reçu de multiples récompenses, notamment à travers l'acteur Christoph Waltz, qui a été honoré de nombreux prix pour son interprétation d'un officier SS.
Le titre du film est un hommage au titre anglophone d'Une poignée de salopards (The Inglorious Bastards, 1978), un film de guerre italien réalisé par Enzo G. Castellari, qui s'inspirait lui-même en partie des Douze salopards (1967). Si le film de Tarantino a été, par erreur, annoncé comme un remake de celui de Castellari, les deux long-métrages ont des scénarios très dissemblables. Le titre du film de Tarantino se distingue de l'original par deux fautes d'orthographe volontaires (InglouriousBasterds), lesquelles jouent également sur les accents, qui sont un élément de l'œuvre.
Bien qu'elle ait fait ses débuts à l'écran aux côtés de son père Jon Voight dans Lookin' to Get Out, en 1982, sa carrière d'actrice a réellement démarré avec le film à petit budget Glass Shadow (1993). Son premier rôle principal dans un film important fut dans Hackers, en 1995. Elle a ensuite joué dans George Wallace et Femme de rêve, films biographiques acclamés par la critique. Angelina Jolie a aussi remporté un oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour sa prestation dans Une vie volée (1999). L'actrice a atteint le sommet de sa célébrité avec son interprétation de l'héroïne de jeu vidéoLara Croft dans Lara Croft : Tomb Raider (2001), et s'est depuis imposée comme l'une des actrices les plus célèbres et les mieux payées d'Hollywood. Elle a connu ses plus grands succès commerciaux avec la comédie Mr. & Mrs. Smith (2005) et le film d'animation Kung Fu Panda (2008)...
Le film est souvent comparé à Mary Poppins de par leurs nombreuses ressemblances, mais L'Apprentie sorcière est loin d'égaler son prédécesseur. Parmi les raisons du faible succès tant critique que financier, beaucoup d'auteurs évoquent l'absence de Walt Disney, mort cinq ans avant la sortie du film. Le studio semble dans l'attente d'un nouveau souffle depuis le départ de son fondateur, tandis que les animateurs et équipes techniques reproduisent une même recette. Certains auteurs notent quelques changements principalement associés à l'évolution de la société américaine comme la morale du film ou la représentation de la femme. Le film est aussi notable pour être la dernière participation des frères Sherman à une production Disney, après dix ans de collaboration.
Après avoir pris connaissance de cette affaire au Los Angeles City Hall, Straczynski passe une année de recherche sur les faits historiques ; il a d’ailleurs déclaré que 95 % du script proviennent de près de 6 000 pages de documentation. La plupart des rôles sont d’ailleurs inspirés de personnes réelles. C’est la première version de son script qui est choisie pour le tournage. Pour Straczynski, il s’agit de son premier scénario adapté au cinéma, après des créations pour la télévision.
Lors de la préproduction du film, Ron Howard est d’abord pressenti pour la réalisation du film mais d’autres projets l’empêchent de travailler sur ce tournage et Clint Eastwood le remplace. Howard et Imagine Entertainment collaborent avec Brian Grazer pour produire le film aux côtés de la Malpaso Productions, alors qu’Universal Pictures finance et distribue le film. Plusieurs acteurs se présentent pour le film, mais Clint Eastwood choisit Angelina Jolie pour son visage car il lui semble correspondre à la période du film. La distribution comprend également John Malkovich, Jeffrey Donovan, Jason Butler Harner, Michael Kelly et Amy Ryan. Le tournage débute le à Los Angeles et se termine en décembre de la même année.
Avec La Belle au bois dormant, le studio Disney reprend des ingrédients de la recette lui ayant assuré le succès de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) et Cendrillon (1950) mais malgré une indéniable qualité technique, le succès n'est pas au rendez-vous. Le public de la fin des années 1950 préfère les films familiaux, les westerns et les productions télévisuelles comme Disneyland et The Mickey Mouse Club. Graphiquement, le film est remarqué pour ses décors évoquant le gothique et les enluminures des Très Riches Heures du duc de Berry. Le personnage de la sorcière, Maléfique, est pour de nombreux auteurs l'élément le plus marquant du film que ce soit sa tenue, sa personnalité ou sa métamorphose en dragon. Le Prince charmant sort aussi son épingle du jeu avec un rôle plus développé que les incarnations des précédents contes de fées adaptés par le studio.
La Reine des neiges (Frozen en anglais) est le 127elong-métrage d'animation et le 53e« Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 2013, il est librement inspiré du conte éponyme de Hans Christian Andersen publié en 1844. Il raconte l'histoire de l'optimiste et intrépide princesse Anna, partie en voyage aux côtés de Kristoff le montagnard, de Sven, son fidèle renne, et d'un drôle de bonhomme de neige nommé Olaf, afin de retrouver sa sœur, Elsa, exilée à cause de ses pouvoirs glacials, qui a accidentellement plongé le royaume d'Arendelle dans un hiver éternel.
Le film est marqué par une qualité graphique élevée, mais surtout par l'utilisation d'acteurs vocaux célèbres ayant fortement influencé voire inspiré les personnages comme Phil Harris (Baloo), Louis Prima (Roi Louie) et George Sanders (Shere Khan). Pour plusieurs auteurs, la présence de fortes personnalités vocales et un scénario assez simple sans vrais méchants font du Livre de la jungle une succession de scènes musicales divertissantes, mais où il manque un petit quelque chose. Le film est aussi marqué par la mort de Walt Disney quelques mois avant sa sortie. Pour le studio Disney, l'ensemble marque le début d'une période désignée à la fois comme une forme de déclin, de léthargie, mais aussi de perpétuelle réutilisation d'une même formule, justement utilisée pour Le Livre de la jungle.
Malgré les critiques, Le Livre de la jungle est un succès commercial et sert de base à de nombreux produits dérivés. Deux séries animées « spin-off » ont été créées : Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance (1996-1998), qui raconte l'enfance des personnages, et Super Baloo (1990-1994), où Baloo travaille comme pilote d'avion. Un remake en prise de vue réelle a été produit en 1994 avec le même titre Le Livre de la jungle ainsi qu'une préquelle avec acteurs intitulée The Jungle Book: Mowgli's Story. Une suite au film d'animation est réalisée en 2003 avec Le Livre de la jungle 2.
L'histoire commence lorsque, sur la Terre du Milieu, le magicien Gandalf le Gris (Ian McKellen) découvre que l'anneau que possède le jeune HobbitFrodon Sacquet (Elijah Wood), qui lui a été légué par son oncle Bilbon et qui permet de se rendre invisible, est en réalité l'Anneau unique recherché avidement par le seigneur ténébreux Sauron car il lui permettrait de retrouver toute sa puissance. Afin d'éviter que Sauron ne récupère l'anneau, Frodon et ses huit compagnons, la Communauté de l'Anneau, entament un périlleux voyage dans le but de le détruire.
À sa sortie au cinéma, le film a été un immense succès commercial et a obtenu des critiques très positives dans l'ensemble. Il a également remporté de nombreuses récompenses, dont quatre Oscars et quatre BAFTA Awards. L'American Film Institute l'a classé 50e dans sa liste des 100 meilleurs films américains, ainsi que deuxième meilleur film de fantasy de tous les temps. Une version longue du film comportant trente minutes de scènes supplémentaires est sortie uniquement pour le marché vidéo.
Ce film est le premier à avoir utilisé la technique de la xérographie dans le domaine de l'animation, procédé allongeant la liste des nombreuses innovations techniques des studios Disney et sans lequel le film n'aurait jamais vu le jour (étant donné le nombre de chiens à animer). Le film innove aussi en se déroulant à l'époque contemporaine (on y regarde la télévision) et en s'éloignant de la recherche du réalisme parfait pour les personnages humains. Le film est enfin marqué par son « méchant », caricatural et haut en couleur, Cruella d'Enfer, qui éclipse pour la première fois les autres personnages.
Adaptation cinématographique du roman éponyme de P.D. James, Les Fils de l'homme place le spectateur au cœur d'une dystopie dont le cadre est le Royaume-Uni en proie au chaos. Dans ce monde ravagé par les pandémies, les guerres et le terrorisme, la totalité des femmes sont devenues stériles menant ainsi l'humanité à l'extinction.
Les critiques sont peu nombreuses en raison de l'exploitation d'abord en moyen métrage puis en une compilation. Certains spécialistes de Disney font même l'impasse sur ce long métrage dans leur anthologie. Le principal intérêt du film est de regrouper les premiers moyens métrages consacrés à Winnie l'ourson avant que le studio ne se lance à partir des années 1980 dans une exploitation plus large de la franchise Winnie l'ourson, avec des séries d'animations et plusieurs longs métrages. À partir de 2002, les éditions DVD du film Les Aventures de Winnie l'ourson comportent, en bonus, un moyen métrage supplémentaire, Sacrée journée pour Bourriquet, produit en 1983.
Après une longue période de tractations entre Walt Disney et Pamela L. Travers pour obtenir les droits d'adaptation, la production du film commence en 1960 pour s'achever en 1964. Cette période fait l'objet d'un long métrage de fiction, Dans l'ombre de Mary (Saving Mr. Banks) réalisé par John Lee Hancock, sorti en 2013 avec Tom Hanks dans le rôle de Walt Disney. Révélant le talent de Julie Andrews et confirmant celui de Dick Van Dyke, Mary Poppins est l'une des productions Disney les plus chaleureusement accueillies par le public et la presse, remportant de nombreux prix (dont cinq Oscars), bien que certains spécialistes estiment que sa forme rappelle plus les années 1940 que le milieu des années 1960. Le film est remarquable sur plusieurs points, comme le traitement en « comédie musicale » ou le mélange entre prises de vue réelles et animation, même si cette dernière, qui constitue pourtant l'activité originelle des studios Disney, passe au second plan, phénomène qui s'amplifiera dans les décennies suivantes. Réalisé à une période qui voit l'institutionnalisation des critiques chez une élite intellectuelle devenue le fer de lance des détracteurs de Disney, Mary Poppins est aussi une œuvre-testament qui couronne la carrière de Walt Disney, mort deux ans plus tard.
Le film reprend des thèmes habituels de Disney, le monde médiéval et la magie, mais pour de nombreux auteurs cette adaptation d'une légende ne possède pas les qualités d'un « classique de Disney ». La genèse du film doit essentiellement à l'obstination d'un homme, le scénariste Bill Peet qui développe seul la majeure partie de la trame du film, histoire et personnages compris. Mais la production de l'œuvre se fait à une période où le studio et la société Disney se consacrent à d'autres sujets, les films en prise de vue réelle, la télévision ou les parcs à thèmes. Les longs métrages d'animation sont relégués au second plan aussi pour des raisons budgétaires. Les critiques attribuent les raisons de l'échec de Merlin l'Enchanteur aussi bien au sujet du film en lui-même, au scénariste et à son adaptation de l'histoire de White, au réalisateur Wolfgang Reitherman ayant un style inapproprié, ainsi qu'aux acteurs ayant prêté leur voix. Mais la plupart reconnaissent la qualité artistique du film avec par exemple un duel final de magiciens qui voit s'opposer Merlin et Madame Mim dans une succession de métamorphoses. En résumé, Merlin l'Enchanteur possède une animation de qualité mais n'a pas marqué le public.
Le film place le spectateur dans un futur proche cyberpunk, une dystopie dont le cadre se situe en 2054 à Washington D.C. (États-Unis), où trois êtres humains mutants, les précogs, peuvent prédire les crimes à venir grâce à leur don de précognition. Grâce à ces visions du futur, la ville a réussi à éradiquer la criminalité et les agents de l'organisation gouvernementale Précrime peuvent arrêter les criminels juste avant qu’ils ne commettent leurs méfaits. Mais un jour, le chef de l'unité John Anderton reçoit des précogs une vision le concernant : dans moins de 36 heures, il aura assassiné un homme qu’il ne connaît pas encore et pour une raison qu’il ignore. Choqué, il prend la fuite, poursuivi par ses coéquipiers qui ont pour mission de l’arrêter conformément au système.
Les Oiseaux (The Birds en version originale) est un film américain, du genrehorreur-thriller, réalisé par Alfred Hitchcock et sorti sur les écrans en mars 1963. 48e long-métrage d’Hitchcock, il est inspiré d’une nouvelle de Daphne Du Maurier, Les Oiseaux et autres nouvelles, mais réécrite par le scénariste Evan Hunter. Il fallut trois ans de préparation avant le tournage. Des milliers d’oiseaux ont été dressés pour l’occasion et l’utilisation de nombreux trucages a contribué à créer une ambiance de terreur. Avec Tippi Hedren et Rod Taylor dans les rôles principaux, il narre les attaques inexpliquées d’oiseaux de toutes espèces sur les habitants de la petite ville de Bodega Bay.
Dans la filmographie d’Alfred Hitchcock, il se présente comme un film charnière car étant considéré comme le dernier grand film de sa carrière. Malgré son succès commercial relatif, il a contribué à relancer le genre des films d’invasion et a également lancé la carrière d’un ancien mannequin, Tippi Hedren, qui deviendra l’une des plus grandes blondes hitchcockiennes avec Grace Kelly et Ingrid Bergman.
Désormais considéré comme un classique de l’histoire du cinéma d’épouvante, le film a fait l’objet d’un remake pour la télévision intitulé Les Oiseaux 2, réalisé en 1994 avec Tippi Hedren. En 2009 doit sortir un remake pour le cinéma, Les Oiseaux.
Les Oiseaux (The Birds en version originale) est un film américain, du genrehorreur-thriller, réalisé par Alfred Hitchcock et sorti sur les écrans en mars 1963. 48e long-métrage d’Hitchcock, il est inspiré d’une nouvelle de Daphne Du Maurier, Les Oiseaux et autres nouvelles, mais réécrite par le scénariste Evan Hunter. Il fallut trois ans de préparation avant le tournage. Des milliers d’oiseaux ont été dressés pour l’occasion et l’utilisation de nombreux trucages a contribué à créer une ambiance de terreur. Avec Tippi Hedren et Rod Taylor dans les rôles principaux, il narre les attaques inexpliquées d’oiseaux de toutes espèces sur les habitants de la petite ville de Bodega Bay.
Dans la filmographie d’Alfred Hitchcock, il se présente comme un film charnière car étant considéré comme le dernier grand film de sa carrière. Malgré son succès commercial relatif, il a contribué à relancer le genre des films d’invasion et a également lancé la carrière d’un ancien mannequin, Tippi Hedren, qui deviendra l’une des plus grandes blondes hitchcockiennes avec Grace Kelly et Ingrid Bergman.
Désormais considéré comme un classique de l’histoire du cinéma d’épouvante, le film a fait l’objet d’un remake pour la télévision intitulé Les Oiseaux 2, réalisé en 1994 avec Tippi Hedren. En 2009 doit sortir un remake pour le cinéma, Les Oiseaux.
Le scénario est co-écrit par Jane Murfin, une des scénaristes attitrées des comédies de la Metro-Goldwyn-Mayer, et l'écrivain britannique Aldous Huxley, dont le nom est supposé servir de caution littéraire. En effet, le film ne s'inspire pas directement du roman d'origine, publié en 1813, mais d'une adaptation théâtrale à succès, Pride and Prejudice, A Sentimental Comedy in Three Acts (« Orgueil et Préjugés, comédie sentimentale en trois actes »), de l'AustralienneHelen Jerome, créée aux États-Unis fin 1935. Cette adaptation obéit à deux tendances : la volonté de restituer l'ironie de Jane Austen, et celle d'obtenir l'atmosphère légère caractéristique des comédies romantiques de l'âge d'or hollywoodien. C'est ce qui explique des simplifications dans le déroulement de l'action et d'autres différences notables entre le film et le roman, comme la suppression de la visite de Pemberley par l'héroïne et la transformation finale de Lady Catherine de Bourgh en un personnage plutôt sympathique.
Il a été récompensé par la Palme d'or au Festival de Cannes 1994, ainsi que par l'Oscar du meilleur scénario original l'année suivante, et a été un succès aussi bien critique que commercial, établissant ainsi définitivement la réputation de Tarantino. Il est, selon le classement établi en 2007 par l'AFI, le 94e meilleur film américain de tous les temps. L'AFI le classe également à la 7e place de sa liste des meilleurs films de gangsters.
Le film revendique son artificialité et est considéré comme l'un des principaux représentants du cinéma postmoderne. Sa structure et son style non conventionnels en ont fait un film culte dont l'influence s'est ressentie sur de nombreux autres films mais aussi dans d'autres domaines culturels. Il tient son nom des pulp magazines, type de revues très populaires dans la première moitié du XXe siècle aux États-Unis et connues pour leur violence graphique et leurs dialogues incisifs.
Tarantino avait, à l’origine, l’intention de le réaliser en amateur avec des moyens très limités, mais l’implication de Keitel dans le projet a permis à celui-ci de prendre plus d’ampleur. Le film a connu un succès commercial modeste dans l’absolu, mais très important pour son budget, et fut très bien accueilli par la critique. Présenté en compétition lors de festivals de cinéma, il a remporté plusieurs récompenses. Il est désormais considéré comme un film culte très important dans l’histoire du cinéma indépendant, et a permis à Tarantino de se faire connaître dans le milieu du cinéma, ouvrant ainsi la voie du succès pour son deuxième film, Pulp Fiction.
Ce film est une adaptation de la célèbre pièce de théâtre Roméo et Juliette de William Shakespeare où les personnages sont représentés par des otaries ou d'autres animaux. L'action se déroule sur une île où Roméo, fils du chef des Montaigu, et Juliette, fille du chef des Capulet, tombent amoureux l'un de l'autre. Mais leur amour réciproque est menacé par la rivalité entre leurs familles ainsi que par le Prince, un éléphant de mer, qui souhaite se marier avec Juliette.
Produit sur une période de quatre ans et demi, le film est animé par une seule personne, Phil Nibbelink. Le casting des voix est par ailleurs composé d'amis et de membres de la famille du réalisateur. Le film reçoit un accueil majoritairement négatif de la part des critiques, l'adaptation de la pièce de Shakespeare étant mal acceptée. Malgré ces critiques, le long métrage remporte deux prix lors d'une édition du Best-in-the-SouthWest Film Festival, un festival de cinéma basé au Nouveau-Mexique.
Le logo de Star Wars tel qu'il apparaît en introduction des films et sur de nombreux produits dérivés.
Star Wars (à l'origine nommé sous son titre français, La Guerre des étoiles) est un univers de science-fiction créé par George Lucas. D'abord conçue comme une trilogie cinématographique sortie entre 1977 et 1983, la saga s'accroît ensuite, entre 1999 et 2005, de trois nouveaux films, qui racontent des événements antérieurs à la première trilogie. Cette dernière (épisodes IV, V et VI) ainsi que la deuxième trilogie dite « Prélogie » (épisodes I, II et III) connaissent un immense succès commercial et un accueil critique généralement positif. Dans un souci de cohérence, et pour atteindre un résultat qu'il n'avait pas pu obtenir dès le départ, le créateur de la saga retravaille également les films de sa première trilogie, ressortis en 1997 et 2004 dans de nouvelles versions.
Les droits d'auteur de Star Wars sont achetés en par la Walt Disney Company pour 4,05 milliards de dollars : la sortie au cinéma du septième épisode de la saga et premier de la troisième trilogie (épisodes VII, VIII et IX) est alors planifiée pour 2015. Le Réveil de la Force devient en l'espace d'un mois le plus important succès commercial de la franchise. Il est suivi par Les Derniers Jedi en 2017 et L'Ascension de Skywalker en 2019. Par ailleurs, Disney et la société de production Lucasfilm inaugurent en 2016 une série de films dérivés regroupés sous le sigle A Star Wars Story, avec la sortie de Rogue One dont les événements se situent juste avant l'épisode IV. Si Disney annonce en de nouveaux films qui n'appartiendront pas à la saga de la famille Skywalker, le studio met leur développement en pause après l'accueil mitigé des derniers opus. La franchise se tourne alors sur la plateforme de streaming Disney+, lancée en avec la série The Mandalorian, précédant d'autres séries mettant en scène des personnages filmiques ou d'animation, comme Ahsoka.
En accord avec les lois du genre space opera, l'action se déroule « il y a bien longtemps, dans une galaxie très lointaine » et se fonde sur la lutte entre les chevaliers Jedi et les Sith. Le personnage central des deux premières trilogies cinématographiques, Anakin Skywalker, cède à la tentation du côté obscur de la Force pour devenir Dark Vador, puis connaît sa rédemption grâce à l'action de son fils, Luke. La troisième trilogie, à partir de l'épisode VII, se déroule trois décennies plus tard avec une nouvelle génération de héros et d'antagonistes. Les nombreux personnages emblématiques, humains et extraterrestres, ont permis de lancer quelques carrières d'acteurs, notamment Harrison Ford et Natalie Portman. L'univers a été décliné dans divers produits dérivés conçus ou non sous l'égide de Lucas : romans, bandes dessinées, jeux vidéo, séries télévisées, etc. L'histoire de la série est ainsi élargie et approfondie par divers médias.
Le monde de Star Wars est inspiré de nombreuses œuvres cinématographiques (film à épisodes, western, cinéma japonais), mais aussi littéraires (essentiellement d'après les ouvrages d'Edgar Rice Burroughs, de Frank Herbert, de Joseph Campbell, mais aussi d'Isaac Asimov et de J. R. R. Tolkien) et de faits historiques réels. À son tour, le monde créé par George Lucas a influencé une génération de réalisateurs et contribué à la création de nouvelles techniques dans le domaine du cinéma, notamment en ce qui concerne le montage, les bruitages et les effets spéciaux. L'univers de Star Wars a fait l'objet de nombreuses parodies et hommages et a donné naissance à une grande communauté de fans, qui s'exprime par le biais de diverses manifestations telles que la Star Wars Celebration.
C'est le cinquième opus de la saga Star Wars par sa date de sortie, mais le deuxième dans l'ordre chronologique de l'histoire. Sorti trois ans après La Menace fantôme, il est le deuxième volet de la trilogie de préquelle, la « prélogie ». Le film est également la cinquième réalisation de Lucas.
Star Wars, épisode II : L'Attaque des clones se déroule dix ans après les événements de La Menace fantôme alors que la galaxie est au bord de la guerre civile. Influencés par le maléfique Comte Dooku, des milliers de systèmes planétaires menacent de faire sécession de la République Galactique. La principale opposante à ce projet, la sénatrice et ancienne reine Padmé Amidala est visée par une tentative d’assassinat et se voit affecter l'apprenti JediAnakin Skywalker comme protecteur. Le mentor de ce dernier, Obi-Wan Kenobi est quant à lui chargé de démasquer les responsables de l'attentat.
S'inspirant de nombreux films américains, L'Attaque des clones reçoit un accueil critique plus favorable que La Menace fantôme et est un succès au box-office. Le film est nommé pour un Oscar du cinéma, remporte deux Saturn Awards mais également deux Razzie Awards.
George Lucas commence l’écriture du scénario en 1999. La préproduction du film dure un an. Le tournage en lui-même se déroule de juin à septembre 2000 principalement aux studios de la Fox à SydneyAustralie mais aussi en Tunisie, en Italie, en Espagne et en Angleterre. L'Attaque des clones est l'un des premiers films à être tourné entièrement en numérique. Comme dans les films Star Wars précédents, la musique est composée et réalisée par John Williams.
L'Attaque des clones est sorti en VHS et en DVD en novembre 2002 et a également engendré un nombre important de produits dérivés.
C'est le sixième opus de la saga Star Wars par sa date de sortie, mais le troisième selon l'ordre chronologique de l'histoire. Sorti trois ans après L'Attaque des clones, il est le dernier volet de la trilogie de préquelle, la « prélogie ». Le film est également la sixième et dernière réalisation de Lucas.
Star Wars, épisode III : La Revanche des Sith se déroule trois ans après les événements de L'Attaque des clones alors que la galaxie est enlisée dans un conflit à grande échelle, la guerre des clones. Voyant leur chance de l’emporter s’amenuiser, les forces séparatistes frappent un grand coup, attaquant la planète capitale Coruscant et s’emparent de Palpatine, le Chancelier suprême de la République. Les deux JediObi-Wan Kenobi et Anakin Skywalker se donnent alors pour mission de délivrer le dirigeant républicain, qui s'avère être un seigneur noir Sith manipulant les séparatistes. Sous l'influence de ce dernier, Anakin Skywalker bascule lentement du côté obscur de la Force et devient Dark Vador. Le final du film fait le lien avec l'épisode IV, sorti au cinéma vingt-huit ans plus tôt.
Le film est parfois vu comme une critique de la guerre d'Irak mais est en réalité une adaptation moderne du mythe de Faust. La Revanche des Sith est un succès commercial et critique. Il est nommé pour un Oscars du cinéma, remporte deux Saturn Awards mais également un Razzie Awards.
George Lucas commence l’écriture du scénario en 2002. La préproduction du film dure un an. Le tournage en lui-même se déroule de juin à septembre 2003, principalement aux studios de la Fox à Sydney, en Australie. Il est le premier Star Wars n'ayant aucune scène tournée en extérieur. De même que pour les films Star Wars précédents, la musique est composée et dirigée par John Williams.
La Revanche des Sith est sorti en DVD en novembre 2005 et a également engendré un nombre important de produits dérivés.
Jeff Bridges incarne le personnage de Jeffrey Lebowski, dit « le Duc ».
The Big Lebowski, également connu sous le titre Erreur sur la personne au Québec, est un film américain, sorti en 1998, réalisé par Joel Coen et écrit en collaboration avec son frère Ethan. Dans cette comédie pastichant le film noir, Jeff Bridges incarne le personnage de Jeffrey Lebowski, un fainéant sans emploi et grand amateur de bowling qui préfère se faire appeler « le Duc » (The Dude en version originale). À la suite d'une confusion d'identité, le Duc fait la connaissance d'un millionnaire également appelé Jeffrey Lebowski et, lorsque la jeune épouse du millionnaire est enlevée, celui-ci fait appel au Duc pour apporter la rançon demandée par ses ravisseurs. Mais les choses commencent à aller de travers quand Walter Sobchak, le meilleur ami du Duc (interprété par John Goodman), projette de garder la rançon pour eux. Julianne Moore, Steve Buscemi, David Huddleston, Philip Seymour Hoffman, Tara Reid et John Turturro complètent la distribution du film, dont l'histoire est narrée par un cow-boy interprété par Sam Elliott.
L'intrigue du film s'inspire de celle du roman Le Grand Sommeil, de Raymond Chandler. The Big Lebowski fut un échec commercial lors de sa sortie au cinéma et reçut tout d'abord des critiques mitigées mais, avec le temps, celles-ci sont devenues plus positives et le film a acquis le statut de film culte, connaissant une brillante carrière en vidéo, grâce à ses personnages atypiques, ses séquences de rêves surréalistes, ses dialogues décapants et sa bande originale très éclectique.
Écrit par la scénariste Callie Khouri, ce film a failli ne jamais voir le jour devant la méfiance de bon nombre de producteurs et réalisateurs, en raison de son thème et de sa scène finale d'anthologie qui tranchaient avec la production hollywoodienne classique.
À sa sortie, ce film a suscité une polémique aux États-Unis, notamment parce qu'il mettait en scène deux héroïnes répondant par les armes à la violence masculine. À l'intersection de plusieurs genres cinématographiques, il est aujourd'hui considéré comme un classique, a influencé d'autres films et œuvres artistiques, et est devenu un film culte du féminisme.
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