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Carmen Mariscal
Carmen Mariscal (1968, Palo Alto, California, Estados Unidos) es una artista mexicana. Se dedica principalmente a la fotografía, la escultura, la instalación, el vídeo y la escenografía teatral, desde una visión feminista, introspectiva y crítica de sí misma y de la sociedad actual. Su trabajo ha sido expuesto en México, Francia, España, Estados Unidos, los Países Bajos, Rusia, Alemania y el Reino Unido entre otros. BiografíaCarmen Mariscal nació en 1968 en Palo Alto, California, Estados Unidos, en el seno de una familia de origen catalán y mexicano. Se mudó a México cuando apenas era una niña con su familia, en donde creció y comenzó a pintar. Desde joven recibió una herencia católica tradicional mezclada con una educación liberal, lo que contribuyó a formar el feminismo que posteriormente tomaría fuerza en su obra visual. A los 18 años se mudó temporalmente a Francia para estudiar francés en La Sorbona. Posteriormente, en 1991, cuando tenía 22 años y estudiaba Historia del Arte en la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México, sufrió un accidente automovilístico que le fracturó la columna vertebral. Este evento, junto con el periodo de recuperación que la mantuvo en cama por varios meses, se reflejan constantemente en su trabajo. En 1994, tras concluir sus estudios como artista plástica en Europa, regresó a México en donde trabajó como artista y docente en el Departamento de Arte de la Universidad Iberoamericana. Durante esa época, trabajó también en un hospital auxiliando a jóvenes con desórdenes alimenticios. De 1999 a 2020 vivió en París, Francia, en donde trabajó como artista plástica y como docente de arte en el Trinity College de París. Actualmente vive en Londres, donde realiza su doctorado en el Royal College of Art y continúa su práctica artística exponiendo internacionalmente. ObraCarmen Mariscal recuenta que comenzó a pintar desde niña. Que, al hacerlo, “… sentía que realmente existía. Su huella pictórica era una prueba verdadera de su presencia física. Si no pintaba o dibujaba sentía que volaba.”[1] Desde entonces, su obra tiene una profunda carga introspectiva. Tras recuperarse del accidente automovilístico que sufrió a los 22 años, comenzó a pintar temas relacionados con el dolor, las emociones y el encierro, y desde entonces reflexiona constantemente en torno al desgaste del cuerpo humano y su habilidad para romperse y curarse a sí mismo, la fragilidad de las emociones, y el aislamiento físico y psicológico. A lo largo de su carrera, en series como “Transposicions”, “Muros / Roma”, “Doble”, “Dentro” y “MATER-ia”, ha trabajado el concepto del paso del tiempo, mediante la yuxtaposición de imágenes que simulan fragmentos del cuerpo agrietándose y desprendiéndose como la pared de los muros de una casa antigua. Muchos de estas imágenes son fotografías de su propio cuerpo, cuya fragmentación, así mismo, es sintomática del sufrimiento físico y emocional por el que ha pasado la artista, así como de la fragmentación de su personalidad en la que influye la educación católica tradicional, liberal y feminista que recibió de niña. Tras el accidente, comenzó a fotografiar partes de su propio cuerpo para incluirlas en sus esculturas e instalaciones, principalmente en cajas de madera y metal mediante las que ha explorado temas como el hospital y el encierro. Estos objetos se han convertido en un elemento clave y un punto de partida en su obra. En ellas, suele presentar un espejo acompañado por objetos de uso cotidiano y por fotografías traslúcidas, que recuerdan a radiografías y remiten a los periodos que pasó en el hospital, tanto convaleciente como trabajando. De acuerdo con su testimonio, comenzó a trabajar con espejos “… porque quería que el espectador mirara también su propio cuerpo y formara parte de las piezas. Para [ella] la presencia física del espectador es lo que termina la obra.”[1] Muchos de los materiales con los que empezó entonces a trabajar durante este periodo –el metal, el vidrio, el espejo– son visualmente fríos, industriales y están asociados por tradición a lo masculino, algo que Carmen pone en tela de juicio. La obra de Carmen, no obstante, tiene un carácter afectivo, en tanto que remite a lo privado, a lo íntimo, a sus experiencias como mujer y como madre; a la fragilidad y a los sentimientos. Las cajas, comenta Christine Frérot, parecen una “suerte de altares o relicarios donde se guardan y se ofrecen los enigmas de lo femenino.”[2] En la serie “The Beautiful Place” recupera objetos antiguos que tradicionalmente remiten a lo femenino como el bordado, el cuidado de los hijos, el entorno doméstico y el miedo. Así mismo, a través de referencias autobiográficas y pertenencias heredadas, Mariscal revive la historia de su familia al tiempo que cuestiona el rol de las mujeres en la sociedad actual. La serie titulada “La Novia puesta en abismo”, por ejemplo, comprende entre diversas piezas, un grupo de autorretratos en los que Carmen utilizó el vestido de novia de su bisabuela para cuestionar “las tradiciones transmitidas de generación en generación, y el significado de ser madre, hija y esposa.”[3] El autorretrato ha jugado un papel importante en su trabajo, tanto para explorar su cuerpo y evidenciar su experiencia como mujer, como madre y como artista, como para reflexionar en torno a la identidad femenina y cuestionar la objetificación del cuerpo femenino y los estereotipos que lo rodean como la pureza, la virginidad y la represión sexual.[1] “Celosía filigrana”, en este sentido, juega con la idea de velar y desvelar el rostro y el cuerpo femenino a través de luces y sombras. En las fotografías de esta serie se ven solamente fragmentos del cuerpo de la artista: el torso, el busto y el rostro ocultos por las manos, los brazos o por las sombras de una proyección que recuerda a la filigrana y da un carácter femenino y seductor a las imágenes. Las series “Umbilicus” y “MATER-ia”, por su parte, fueron realizadas durante el proceso en el cual la artista se convirtió en madre. En ellas, utiliza el autorretrato y la fragmentación visual de su cuerpo y el de sus hijos para evidenciar las “transformaciones físicas y psicológicas por las que pasa la mujer desde el embarazo hasta el postparto.”[1] En la obra de Mariscal, las representaciones del cuerpo humano —generalmente el suyo— han evolucionado con el tiempo: en un principio fotografiaba solamente fragmentos de éste, pero con el tiempo lo ha ido incluyendo en su totalidad mediante formatos de obra cada vez mayores. En sus obras más recientes ("La esposa esposada", "Calladita te ves más bonita", "Nuestro hogar"), Mariscal se cuestiona sobre el lugar reservado a la mujer en la sociedad. Colaborando con varias asociaciones, examina cuestiones de género, identidad, el peso de las tradiciones y las normas sociales impuestas a las mujeres y niñas desde una edad temprana. En particular, explora "la condición femenina en el matrimonio",[4] en palabras de la curadora Christine Frérot, así como los símbolos y expresiones asociados con el amor, que continúan alimentando un imaginario colectivo de opresión y desigualdad de género. Al vincular lo íntimo con lo colectivo, las obras de Carmen "invitan al público a reflexionar sobre la paradoja del amor".[5] Así, la obra "Nuestro Hogar", instalación monumental animada de luz y sonido, estuvo expuesta en la plaza del Palais-Royal en París en la primavera 2020. Fabricada a partir de candados que las parejas colocaban sobre los puentes parisinos, "Nuestro Hogar" busca crear conciencia para favorecer la seguridad de mujeres y familias y la defensa de los derechos humanos —en particular de las víctimas de violencia en el hogar. Con este propósito, gracias a "Nuestro Hogar" se levantó una campaña de fondos para ayudar a dos refugio de mujeres en México y en Francia. Además de su producción como artista visual, ha realizado la escenografía para obras de teatro de contenido feminista como A room of one’s own (Una habitación propia), basada en el ensayo de Virgina Woolf, Electre se réveille (Electra despierta), La Folle Enchère (Una subasta fuera de lo normal) de la dramaturga del siglo XVII Madame Ulrich, o más recientemente Mary Sidney, alias Shakespeare, las cuales cuestionan la condición de subyugación de la mujer en las sociedades patriarcales a lo largo de la historia. Estudios
Publicaciones (a partir de 2010)
ExposicionesExposiciones individuales (y de dos artistas)2024 Tláloc/Contadero The Window, París, Francia. 2023 Tláloc/Contadero Festival Loop, Ana Mas Projects, Barcelona, España. 2022 Notes on a Journey. On Extractivism, Matter and Displacement. Dos artistas. Marisa Ferreira y artista invitada: Carmen Mariscal, Galeria Presença, Porto, Portugal. Erase (Curada por Karen Cordero) Dos artistas, Claustro de Sor Juana, Ciudad de México, México. 2021 El Cementerio del amor, Frédérick Mouraux Gallery, Bruselas, Bélgica. 2020 Nuestro Hogar, instalación pública, Plaza del Palais-Royal, París, Francia. Nuestro Hogar, video-instalación, Beffroi, Alcaldía del 1er arrdt, París, Francia. 2019 Calladita te ves más bonita (curada por Marcela Correa), Instituto de México, Nueva Orleans, EUA. Art Paris, Feria de Arte, Galería Ana Mas Projects, París, Francia. 2018 La esposa esposada (curada por Christine Frérot) Maison de l’Amérique Latine, París, Francia. Jusqu’à la fin des temps (exposición semi-individual) Centre Culturel du Mexique, París, Francia.[6]
Carmen Mariscal, Instituto Cultural de México en Berlín - Embajada de México en Alemania, Berlín, Alemania. Rooms of their Own, Carmen Mariscal, Béguinage, Musée de la Maison d'Érasme, Bruselas, Bélgica.
Traces/Rastros, L’Arc, Scène Nationale, Le Creusot, Francia.
Two Way Mirror Fundación Vila Casas, (curada por Gloria Bosch) Palau Solterra, Torroella de Montgrí, España. Vamos a pretender, masART Galería, Barcelona, España.
Transposicions, Museo Gene Byron, 37.º Festival Cervantino, Guanajuato, México.
Transpositions, Centre d´Etudes Catalanes, Université de Paris Sorbonne, París, Francia.
Doble/desdoble, Galería Llucià Homs, Barcelona, España.
Proyecto Espai Zero, (curada por Raquel Medina), Fundación La Caixa, Tarragona, España. CRAM, Festival Río Loco, Toulouse, Francia.
MATER-ia, Galería Llucià Homs, Barcelona, España. Innée (curada por Mathew Shaul) Margaret Harvey Gallery, St. Albans, Inglaterra.
Innata/Innée, Centre Culturel du Mexique, París, Francia. Dentro, Galería Llucià Homs, Barcelona, España. Innata, Galería Senda « El Terrat », Barcelona, España.
El pueblo creador, Pabellón de México, Expo 2000, Hannover, Alemania.
La ilusión en vértigo, Galería de la SHCP, México D.F., México. Los espejismos del amor, Galería Segovia-Isaacs, Barcelona, España.
La novia, puesta en abismo, Galería Ramis Barquet, Monterrey, México. I veil, I reveal, CSK Gallery, Denver, E.U.A. Prints, Cherry Creek Art Festival, Centro Cultural Mexicano, Denver, E.U.A.
Velo re velo, Galería Railowsky, Valencia, España. Velo re velo, Instituto de México, Madrid, España. Velo-re-velo, Galería Senda, Barcelona, España.
Revelar, Galería Kin, México D.F.
Soy, Museo de Historia, San Petersburgo, Rusia. MA Degree Show, Winchester School of Art, Winchester, Inglaterra.
Un secreto preexistente, Centro Cultural El Nigromante, Instituto Nacional de Bellas Artes San Miguel de Allende, México. Exposiciones colectivas2024
2023
2022
2021
2020
2019
2018
2017
2016
Escenografías de teatro
2016
Premios y Becas
Notas y referencias
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